Det er Konsekvens' s 15-årsjubileum , og hele september vil vi publisere en serie retrospektive stykker som omfatter publikasjonens egen historie – og underholdningslandskapet generelt. I dag starter vi med vår nye og forbedrede liste over 100 beste album gjennom tidene.
Herregud, vi er tilbake igjen. Det er over et tiår siden vi for første gang tok en sjanse på å koke ned all populærmusikkhistorie til de 100 beste albumene gjennom tidene. Glem hvordan meningene har endret seg i løpet av disse 12 årene - hele kultur har skiftet. Selv personene som deltar i denne øvelsen er forskjellige, ettersom bare to ansatte som var en del av OG-listen, publisert i 2010, er igjen med Konsekvens i dag.
Forståelig nok kommer ting til å bli annerledes denne gangen. Smaker har blitt omformet, sjangere har blitt født og døde bort, og måten vi deler betydningen opp gjennom historien på har blitt endret av nåtidens natur. Alt dette er med på å sette sammen en gigant som dette, noe som betyr poster som ikke ble vurdert - eller til og med løslatt — sist gang vi tok på oss denne utfordringen nå har fremtredende plassering. I sin tur har andre flotte verk blitt støtt av, eller ned eller opp.
En ting forblir den samme: Du kommer til å være uenig omtrent like mye som du er enig i det vi har gjort her. Du kommer til å lure på hvordan album X ikke var nødvendig å nevne, eller hvorfor album Y er høyere enn album Z. Eller hvor pokker er artist W?! Vi kommer ikke engang til å krangle med deg. Tro oss, vi lurte også på det, og snakket om dem, og tok vanskelige valg, ofte mot personlig overbevisning.
Nå, kanskje det ikke imponerer deg mye. Kanskje du, kjære leser, tror at det er en definitiv, evig, upåklagelig rangering av poster som kan trekkes fra eteren med akkurat den rette metodikken. Hvem vet, kanskje du har rett. Dette er ikke den listen.
Dette er en liste satt sammen gjennom timer med debatt, frustrasjon, latter, samtykke og åpenbaring. Det er en som vurderte kvikksølvverdien knyttet til kunst, fra oppfatninger i skapelsesøyeblikket, til retrospektiv betraktning, til innvirkningen på moter i stadig utvikling. Det er også en som tillot glede å være en storhetsfaktor.
Så fortsett, kom med kritikken din. Gi uttrykk for følelsene dine om hvordan favorittartistene dine ble sluttet, eller hvordan vi hoppet over den ikoniske LP-en. Vi ønsker det velkommen! Og når støvet legger seg, personalet på Konsekvens vil stå stolt bak listen vår over de 100 beste albumene gjennom tidene. Til neste gang.
— Ben Kaye
Forlagsdirektør
Ed. Merk: Velg blurbs fra den opprinnelige listen som holdes oppe når de er inkludert her, de er merket med (2010).
Grav kunstverket på denne listen'https://shop.consequence.net/products/100-greatest-albums-of-all-time-poster' rel='noopener'>her , og en innrammet versjon her .
100. Jane's Addiction – Ingenting er sjokkerende
Med 1988-tallet Ingenting er sjokkerende , bidro Jane's Addiction til å legge grunnlaget for det som til slutt skulle bli den alternative rockerevolusjonen på 90-tallet. Like deler tungt og eterisk, er det passende at albumet inneholder sangtitler som Up the Beach og Ocean Size, ettersom sporene spiller som bølger som slår inn i havet. Perry Farrells himmelske stemme, sammen med det dynamiske spillet til gitarist Dave Navarro, bassist Eric Avery og trommeslager Stephen Perkins, gjør Ingenting er sjokkerende et helt unikt album.
Ved å kombinere kraften til Led Zeppelin med kunstrocken til The Velvet Underground på spor som den eksplosive Mountain Song med sin praktfulle basslinje, eller den akustiske Jane's Says med sine hjerteskjærende tekster, Ingenting er sjokkerende representerer et avgjørende øyeblikk i det som snart skulle bli et seismisk skifte i rockemusikken. — Spencer Kaufman
99. Mucus Washington – Himmel og jord
I 2015 kunngjorde saksofonisten Kamasi Washington sin ankomst til mainstream-publikum på Kendrick Lamars Å pimpe en sommerfugl . Bare måneder senere sementerte han sin plass i fronten av jazzens fortrop med sin like ekspansive store labeldebut, Det episke , i stor grad utviklet sammen med sine landsmenn i Los Angeles’ West Coast Get Down jazzkollektiv. Men det var oppfølgingen fra 2018 Himmel og jord , som mer nøyaktig gjenspeiler høydene han kan nå fra sin oppstegne headspace.
Himmel og jord fremkaller den store skalaen til tittelen med et altomfattende syn på fortiden, nåtiden og fremtiden til denne verden og utover. Hvorvidt Washington gjenoppliver fortiden med sin versjon av Freddie Hubbards Hub-Tones, pusser opp temaet fra Bruce Lee-filmen Fists of Fury med en moderne kontekst, eller presser jazzen i en helt ny retning på den mørke groove-jammen Street Fighter Mas, er han stadig i samtale med en høyere makt guddommen bare varierer fra den allmektige til hans all-star-gjeng av musikervenner.
Med hensyn til den økende tilstedeværelsen av spiritualitet i musikken hans, Konsekvens sin A-karakter anmeldelse hevdet at hvis flere kirker spilte sanger som 'Journey' og 'Will You Sing' på søndager, kan disse helligdommene bare være stående rom. — Bryan Kress
98. Lucinda Williams – Bilhjul på en grusvei
Det har ikke vært mangel på Lucinda Williams-imitatorer i løpet av årene - artister som håper å få til og med et unse av hennes grøss, ynde og gumping og gjøre det til sitt. Men det er bare én Lucinda Williams, og på hennes 1998 Grammy-vinnende mesterverk Bilhjul på en grusvei , viser hun hvorfor hun er et uovertruffen talent.
Innfødte i Lake Charles, Louisiana har en vidstrakt diskografi, som startet i 1979 med Ramblin' on My Mind og sist med acerbic Gode sjeler bedre engler, noe som gjør det å velge bare ett av albumene hennes som det beste til litt av et tøys. Men, Bilhjul på en grusvei skiller seg ut som et kjennetegn på hardt slitt Americana, en sørlandsk virvel av country, blues, folk og rock 'n' roll.
Det er en riff-ladet plate med en vaskeri liste med tekster som er skreddersydd for tatovering på kroppen din, og fungerer som et veikart til sjelen til en komplisert nasjon. På tvers av 13 spor, fra den sexy 2 Kool 2 Be 4-Gotten til Joy-kysset med mellomfingrene opp, lærer du et par ting om platas sentrale forteller, men det er én leksjon som skiller seg spesielt ut: You don Ikke knulle med Lucinda Williams. Hvis Williams er Americanas poetprisvinner, Bilhjul på en grusvei er et høyt vannmerke av skjemaet. — Spencer Dukoff
97. Fugazi – Repeater
Samtidig som Repeater regnes som Fugazis debut i full lengde, den hadde den skremmende oppgaven å følge bandets legendariske to første EP-er (kompilert sammen som 13 sanger ). Med Repeater skjønt, D.C.-bandet hevet ikke bare sin egen bar, men blåste hele hardcore-punksjangeren på vidt gap.
Med et nikk til presisjonen til post-punkers Gang of Four, Repeater er bevis på at et band spiller uten restriksjoner. Fugazi måtte aldri svare på dresser når det kom til musikken de spilte inn, takket være at hele diskografien deres ble gitt ut via singer-gitaristen Ian MacKayes egne Dischord Records. Kjemien deres er åpenbar, med MacKaye og Guy Picciotto som bytter vokal over dissonante akkorder, og bassist Joe Lally og trommeslager Brendan Canty gir en stødig ryggrad. Disse fakta bekrefter sammen at den kommersielle suksessen til Repeater er et biprodukt av artistene selv, ikke et plateselskaps kontante plan.
Med kraftfulle anthems som Turnover og Blueprint, i tillegg til fremstående kutt som tittelsporet og Sieve-Fisted Find, Repeater er et banebrytende verk av det ultimate DIY-bandet. — S.K.
96. N.W.A. – Rett ut av Compton
Selv om de skylder Schoolly D og Park Side Killas litt æren for banebrytende gangsta-rap, har N.W.A. kan stolt si at de brakte denne stilen med uberfengende, ultravoldelig hiphop til mainstream. Utgitt i 1988, Rett ut av Compton inneholdt det som til slutt skulle bli noen av sjangerens største navn – Ice Cube, Eazy-E, Dr. Dre og MC Ren – og snurret historier om livet i et av LAs råeste nabolag over minimalistiske beats og scratching levert av DJ Yella og Arabian Prince.
Kutt som Fuck Tha Police og tittelsporet kom til å representere West Coast-lyden, og banet en vei som førte til at rapmusikk infiltrerte alle husstander i Amerika. Selv om du var fra de mest rolige hjørnene av forstaden, spente du deg opp, knyttet nevene og lot som du var klar for kamp da du hørte på Ice Cube åpne plata ved å erklære: When I'm call off/ I get a saget av/ Klem avtrekkeren/ Og kropper blir dratt av. N.W.A. fikk deg til å føle deg hard, selv om du fortsatt måtte skru ned volumet når moren din var hjemme. — To stråler (2010)
95. System of a Down – Giftighet
Etter å ha gjort seg bemerket med sin selvtitulerte debut, nådde System of a Down nye høyder med sitt andre album, 2001 Giftighet . Melodisk, kaotisk og rett og slett hypnotisk utvidet albumet grensene for tung musikk. Den frenetiske Chop Suey! ble en av tidenes mest bisarre hits på rockeradio (selv med Clear Channel som midlertidig fjernet den fra eteren etter angrepene 11. september), mens sanger som det knusende tittelsporet og de hjemsøkende Aerials også tjente til å drive albumet til multi. -platinastatus.
Serj Tankians operavokal høres ut som ingen andre band før dem og svever over Daron Malakians komplekse musikalske komposisjoner, med Shavo Odadjian og John Dolmayan som danner en nådeløs rytmeseksjon. Alt fortalt, Giftighet står som et av de fineste verkene innen tung musikk i det 21. århundre, om ikke hele tiden. — S.K.
94. Wilco – Yankee Hotel Foxtrot
Det er et alternativt univers som eksisterer der Wilco aldri slipper ut Yankee Hotel Foxtrot , et album som ikke bare ville sikre bandets plass i rockehistorien, men som fundamentalt ville endre landskapet i musikkindustrien ved overgangen til det nye årtusenet. Ja, denne plata er oversvømmet av mytologi og bakhistorie, best innkapslet i Sam Jones’ Jeg prøver å knuse ditt hjerte , som tilfeldigvis er en av de beste musikkdokumentarene gjennom tidene.
Men YHF holder ut som en klassiker over 20 år senere, mindre på grunn av den læren og mer fordi det er en samling sanger som er så jævla sterke. Jeff Tweedy kanaliserer all sin angst og selvbevissthet til sanger som Ashes of American Flags og I Am Trying to Break Your Heart, og komplementerer de tyngre sporene med den varme nostalgien til Heavy Metal Drummer og hjerte-på-ermet-romantikk fra Reservations, som inneholder en lyrikk som er ødeleggende direkte: Jeg har forbehold om så mange ting, men ikke med deg.
Genialiteten til Yankee Hotel Foxtrot er beslutningen om å legge lag med tilbakemeldinger og feltopptak og støy og forvrengning på toppen av Tweedys folk- og country- og indierocklåter, og lener seg inn i det eksperimentelle i en slik grad at plata sendte ut alt-country-etiketten som hadde forfulgt bandet siden dens grunnleggelse. Fra start til slutt, Yankee Hotel Foxtrot fascinerer og lokker, og klarer på en eller annen måte å høres ut som både forelskelse og verdens undergang. Det er urørlig. — S.D.
93. TLC – CrazySexyCool
Med ny jack swing som falt i unåde på midten av 90-tallet og Lisa Left-Eye Lopez som taklet personlige kamper som holdt henne borte fra gruppen i lengre perioder, fant TLC måter å modne lyden deres på andre albumet deres. De ble gjenforent med Babyface, Jermain Dupri og Dallas Austin mens de la til bidrag fra Sean Puffy Combs, Organized Noize og Chucky Thompson, og økte hiphop- og soulstemningene for å ytre R&B-perfeksjon på CrazySexyCool .
Samtidig bidro de til å stimulere en sexpositivitetsbevegelse som fortsatt utvikler seg i dag ved å takle romantikk fra flere vinkler: tryst av Creep, søtheten til Diggin' on You, XXX av Red Light Special. I mellom leverte de en av de mest varige advarende historiene gjennom tidene i Waterfalls. CrazySexyCool var de Tiårets R&B-album. I dag står det som et vitnesbyrd om selvsikker kvinnelighet, en uttalelse beseglet i rekordbøkene som det bestselgende albumet av en amerikansk jentegruppe noensinne og det første som nådde diamantstatus. — B. Kaye
92. Erstatningene – La det være
Hvem hadde trodd fire tjue-somethings fra Minneapolis kunne produsere noe så tidløst, så viktig og så levende'https://consequence.net/2014/10/let-it-be-turns-30-celebrating-the-replacements-best-album/' > La det være , ingen gjorde det. Mens alle øyne var rettet mot Prince på den tiden, skapte Paul Westerberg, Tommy Stinson, Chris Mars og Bob Stinson ren, uforfalsket rock and roll. Med hjertet på ermet, øste Westerberg sin kjærlighet, sitt tap og sine hemninger inn i hver eneste tekst, tone, akkord og rop.
På Androgynous slår det første slaget på pianoet nervene dine, trekker i øynene dine, og når Westerberg synger, Future outcasts, they don't last, du er rett der ved siden av ham - i den støvete baren, på slutten timer av en ukes natt, og uten andre å holde på enn musikken. Det er alt The Replacements var ment å være her, de gjør det i hver tone, over 11 spor, og i 33 minutter og 31 sekunder. Det er ikke et album, det er en livredder. - Michael Roffman (2010)
91. Hvem – Hvem er neste 
Av alle de legendariske albumene på denne listen tviler jeg på at mange av dem hadde sin opprinnelse som en forlatt rockeopera. Mange arrangementer og utklipp av Pete Townshend er forlatt Livshus prosjektet ble grunnlaget for Hvem er neste , et album som ikke har noe underliggende tema eller historie. Denne følelsen av frihet tillot The Who å fokusere på å lage flotte individuelle sanger i stedet for en overordnet historie.
Resultatet er The Who som vokser opp i offentligheten. Sangene kombinerer den hardtslående energien til bandet i ungdommen med de mer eksperimentelle elementene som ble utforsket Tommy . Den mest merkbare forbedringen er Roger Daltreys stemme, som nådde høyder som bare ble antydet tidligere. Keith Moons trommesolo etterfulgt av Daltreys skrik på slutten av Won't Get Fooled Again forblir som et av rockens største øyeblikk.
Mens alle vet om singlene, fra åpningstastaturet til Baba O’Riley til byggeakustikken til Behind Blue Eyes, er hver sang på denne plata en potensiell hit. Lytt til det eksplosive refrenget til Bargain. Sjekk ut en sjelden hovedvokal fra bassist John Entwistle på My Wife. Med spor som disse er det lett å se hvorfor Hvem er neste flyttet The Who fra et flott band på 60-tallet til en rockesupermakt på 70-tallet. — Joe Marvilli (2010)
90. Alanis Morissette – Skarpt liten pille
De aller første sekundene av Alanis Morissettes breakout-plate inneholder en blanding av elektrisk gitar og munnspill, og signaliserer helt fra begynnelsen at en ny stemme innen alt-rock hadde noe å si. Og en hel generasjon lyttet: Hvis du var ung, kvinnelig og i live på 1990-tallet, er det en stor sjanse for at du ikke bare eide dette albumet, men fikk det memorert fra begynnelse til slutt, som Morisettes utrolige vokal og Glen Ballards stjerne. produksjonsarbeid kombineres for å skrike om sinne og forvirring som følger med å være i live.
Tiår før Taylor Swift ble lyrisk sint på Jake Gyllenhaal over et skjerf, minnet Alanis eksen sin om rotet han forlot da han dro, men Skarpt liten pille handler ikke bare om raseri: Hand in My Pocket leverer faktisk et noe optimistisk budskap om at bokstavelig talt alt kommer til å gå bra fint, og selv om Ironic ironisk nok ikke klarte å bruke ordet riktig, klarte den likevel å snakke om dystre scenarier i en brønn, vært der veien.
Det er et album spekket med følelser som er vanskelige å pakke ut, og et album som hjalp minst én tenåringsjente, som lyttet til det på repeat, til å føle seg litt mindre alene. — Liz Shannon Miller
89. Green Day – Dookie
Green Day brøt inn i mainstream med Dookie , perfekt timet til å komme hot på Doc Martens-kledde hæler på grunge-scenen. Det California-baserte bandet frontet av Billie Joe Armstrong og avrundet av bassist Mike Dirnt og trommeslager Tre Cool fant suksess ved å smelte sammen den anti-etablerende karakteren til sine punkrock-røtter med en grunge-opptreden, støttet av fengende popmelodier og hooks. Med å utforske alt fra panikkanfall til onani til biseksualitet, traff tekstene en akkord hos fans i alle aldre og posisjonerte Green Day som det moderne punkbandet for massene.
Bandets tredje og bestselgende album ble utgitt i 1994, og fant kommersiell suksess, og nådde nr. 2 på Billboard 200-listen og fikk en Grammy for beste alternative musikkalbum. Bandet ble anklaget for å selge seg ut av tidligere tilhengere av den underjordiske punkscenen, men Dookie fant en måte å gjenopplive interessen for de originale punklegendene ved å tjene som en inngangsplate og gi en stemme til opprørske tenåringer som faktisk ikke hadde mye å gjøre opprør mot på det relativt rolige midten av 1990-tallet. — Kelly Quintanilla (2010)
88. Alice Coltrane – Reise i Satchidananda
Prøv som man kan, det er nesten umulig å diskutere Alice Coltrane uten å ta opp sin avdøde ektemann. Selv om John Coltrane hadde en ubestridelig innflytelse på henne og hennes arbeid, var hun allerede en dyktig kunstner lenge før de møttes og ble forelsket. Som Coltrane sa en gang, lærte John meg ikke bare å utforske, men å spille grundig og fullstendig.
Selv om ikke det første albumet Coltrane ga ut som soloartist etter ektemannens død, Reise i Satchidananda er uten tvil hennes mest ærede. Det er et verk basert på spiritualitet som føles både eterisk og rått, som tar deg gjennom skyenes myke poetiske majestet via Coltranes harpe og piano, og jordens fine grus via Pharoah Sanders’ sopransaksofon.
Noen elementer, som den drønende tanpuraen og Coltranes krystallinske harpe på åpningstittelsporet, skiller seg ut. Andre, som Rashied Alis trommer og Cecil McBees bass, er mer subtile. Coltrane var på ingen måte den første vestlige jazzartisten som brakte østlige lyder inn i folden hennes, men disse stykkene føles aldri som om de vekker oppmerksomhet til kontrastene deres. Som med alle gjennomførte ensembleverk, skinner hver del individuelt og sammenhengende.
Bare hør på samtalesamspillet mellom piano og bass på Stopover Bombay eller hvordan Vishnu Woods hektiske klimring av oud blander seg med Sanders kosmiske saks på live closer Isis og Osiris. Brikkene passer alle sammen, men mye av dets storhet ligger i hvordan de nekter å stivne, med Coltrane og hennes samarbeidspartnere som omfavner raushet mens de opprettholder autonomi. Reise i Satchidananda er et utenomjordisk album som aldri føles som om det er for langt utenfor vårt rike. — Jeg er Kenny
87. Slayer – Regjere i blod
Mens andre thrash metal-band fra 80-tallet begynte å utvide lyden sin med tekniske og progressive oppblomstringer, forsøkte Slayer å destillere den til essensen. Utgitt i 1986, Regjere i blod var mager og slem: Bare to av de 10 sporene bryter tre-minutters-merket - et bevis på presisjonen og hastigheten de ble spilt med.
Med produsent og dedikerte metalhead Rick Rubin bak brettene, var den noe skrøpelige lyden fra bandets tidlige 80-tallsarbeid borte, og presenterte det buldrende dobbeltsparket til trommeslager Dave Lombardo og tvillinggitarangrepet til Jeff Hanneman og Kerry King i ren hi-fi (uten reverbene og effektene som daterer mange metalalbum fra tiden).
Fra Tom Arayas gjennomtrengende skrik som setter i gang Angel of Death til de siste dråpene av Raining Blood, Slayer holder et ubøyelig tempo som blir til en marerittaktig uskarphet. Uhyggelige emner, som den tidligere sangens lyriske grublerier om nazi-legen Josef Mengele og andre blodige emner, bidrar bare til atmosfæren av ondskap som utstråler fra Regjere i blod når du mister nålen.
Hannemans varemerke atonale riff avler de spastiske, improvisasjonsgitarsoloene til Kerry King, og fremkaller en følelse av kaos og morbiditet. En kreditt til Rubins rå produksjon, albumet høres brutalt intenst ut den dag i dag, uskadd av tid - en hellig artefakt av ekstrem metal i sin tidligste form. — Av Jon Hadus
86. Pearl Jam – Ti
Merket av grunge-gudfar Kurt Cobain som en kommersiell utsalgsinnsats, Ti endte opp som startskuddet for alternativ rock på 90-tallet. Gitaristen Stone Gossard og bassisten Jeff Ament kom fra asken til den tragisk kortvarige Mother Love Bone, og la klassiske rocketeksturer til Seattle-lyden med hjelp av gitarist Mike McCready (og en håndfull midlertidige trommeslagere, inkludert Matt Cameron). Femsporet deres Stone Gossard-demoer '91 til slutt ville vokse til Ti – de trengte bare noen til å sette stemme til komposisjonene deres.
Inn Eddie Vedder. Frontmannens emosjonelle knurring og hyl (Why Go, Black) og oppriktig hjerteskjærende lyrikk (Jeremy, Release) speiler voldsomheten til musikken, og multipliserer dens kraft. Å kombinere den utpreget lidenskapelige vokale tilstedeværelsen med fengende riff og skyhøye soloer fra Gossard og Aments låtskriving etablerte en ny standard for hva rock betydde i det nye tiåret. Den hadde all angsten og mørket som grunge var kjent for – både i tekstene og den tunge lyden – men med stadionklar ekspansivitet og en vokalist bestemt for ikonstatus.
Pearl Jam selv har sjelden matchet intensiteten til debuten, enn si mest rock i de tre tiårene siden. — B. Kaye
85. Tupac – Alle øyner på meg
Fra den sosiale kommentaren til den fortsatt relevante Brenda's Got a Baby til det uhemmede raseriet til Hit 'Em Up og alt i mellom, forblir Tupacs rekkevidde som rapper uten sidestykke. Mens du treffer studio for Alle øyner på meg Pac slapp imidlertid løs alle sine innestengte frustrasjoner til å skape en gangsta-rap-persona som er større enn livet etter å ha blitt frigjort fra Rikers Island av sin nye Death Row-sjef Suge Knight.
Ingen kom til å repetere vestkysten hardere enn han var, som demonstrert av den uforfalskede aggresjonen til Ambitionz Az a Ridah og samarbeid med plateselskapene Dr. Dre (California Love) og Snoop Dogg (2 av Amerikaz Most Wanted). Imidlertid ga dobbeltalbumet også Pac god plass til klubbhits som How Do U Want It og introspeksjonen av I Ain’t Mad at Cha – for ikke å snakke om utstillingsvinduer for gruppen hans The Outlawz som Thug Passion.
Produksjonen av Dre, DJ Pooh, DJ Quik og Johnny J avsluttes Alle øyner på meg ved å endelig tilby Pac et lydspor som fullt ut kunne matche talentene hans. Selv om den 27-sanger og 133-minutters oden til gangsta-livsstilen ikke er uten vorter, løfter Pacs brennende lidenskap albumet til et nytt nivå. Et mesterverk trenger ikke være perfekt for å tåle tidens tann, og Alle øyner på meg har gjort akkurat det. — Eddie Fu
84. Smashing Pumpkins – Mellon Collie og den uendelige tristheten
Med respekt for 1979, som utstråler et nostalgisk stjernestøv som føles dypt av store deler av generasjon X, er det kanskje den dusinende beste sangen på Mellon Collie og den uendelige tristheten . Fast i formen av Veggen eller White Album (hello, Farewell and Goodnight), The Smashing Pumpkins’ tredje album representerte deres ubestridelige høydepunkt før en legemiddel – og ego-indusert flammer ut (skjønt Forguder og Maskina har sine unnskyldninger).
Poenget med Pumpkins hele tiden hadde vært representasjonen av hele femininitet og maskulinitet, av en tullete finurlighet til aggro brutalitet - og omtrent som Beatles berømte dobbeltalbum, Mellon Collie inneholder praktisk talt hele spekteret av den menneskelige opplevelsen i sine 28 spor. Selv den beryktede dempede masterjobben kan ikke kvele dens skjønnhet: Har enda et album hørtes ut roligere jo mer du skrur opp volumet'https://www.imdb.com/title/tt0701127/' >Homerpalooza, hitene holder mer enn mål: Vi husker alle første gang vi hørte at skrik i Bullet with Butterfly Wings.
Best av alt 
Chrissie Hynde, en amerikansk expat bosatt i London, hadde prøvd å finne sin plass, både i musikkindustrien og i verden. Men imponerende demoer førte til at hun ble posisjonert som en stjerne på vei. Bare fire dager før 70-tallet skulle ta slutt for godt, ga Hynde and the Pretenders ut sin selvtitulerte debut. Bortsett fra nysgjerrig planlegging, var det et album som var for imponerende til å gå seg vill i stokkingen etter ferien. Og riktignok holdt bandet på å pakke klubber like etter.
Profilering av Hynde og co. til Rullende stein i 1980, beskrev Kurt Loder Pretenders like subtilt oppsiktsvekkende. Det passer for et album som ser ut til å ha på seg punken (enkelt albumgrafikk, uklare riff), men som snart avslører hvor mye mer det har å gjøre for det, både kunstnerisk og følelsesmessig. Selv i et overfylt felt er det noe med de første stolpene i Precious som forteller oss at noe spesielt skjer her.
Selv om disse riffene og fyllene kunne replikeres med nok trening, er det ingen kopiering av Hynde og følelsen hun formidler. Hynde uttrykker triumf, raseri, ømhet, frykt og mer, og setter deg inni hodet, gjenkaller smertefulle minner og beskriver utrolige fortellinger som om hun hadde laget en ad hoc-lydbok. Du kjenner kanskje Brass in Pocket best, men Pretenders er, fra begynnelse til slutt, et genuint mesterverk. — M.K.
82. Peter Gabriel- Så
Peter Gabriels to utgivelser før Så , ringte begge peter gabriel , var landemerke progrock-album. På denne innsatsen brukte Gabriel den nyeste innspillingsmaskinvaren til å komponere med samplede lyder samt musikk og rytmer fra kulturer som aldri før hadde blitt integrert i vestlig musikk. Gabriel brøt fantastisk ny mark, og med Så , brakte han sine soniske oppdagelser til mainstream.
Så er et landemerke popalbum som overvelder lyttere med emosjonelle og rytmiske sanger som trekker fra hjertet av den menneskelige ånden. Et eksempel, sangen nr. 1 å spille utenfor noens vindu, In Your Eyes: Gabriels stemme og tekst er rå og lidenskapelig med enkle, men overveldende kraftige bilder. Afrikanske rytmer holder sangen levende og borte fra den saftige veien så mange kjærlighetssanger går, og den skyhøye vokalen til den senegalesiske sangeren Youssou N’Dour overskrider språket med ren feiring.
Dette temaet emosjonell, grensesprengende, menneskelig kommunikasjon gjennomsyrer alle Gabriels verk, men er sterkest i Så , der den fortsetter å berøre flest mennesker. Når Gabriel skriker bare kjærlighet kan elske i That Voice Again, kan selv den mest kyniske lytteren ikke la være å føle noe kribling av sannhet.
Spor som Red Rain, Mercy Street og Don't Give Up (en duett med Kate Bush) opererer i motsatt ende av spekteret, og diskuterer sårbarhet, svakhet og muligheten til å fortsette. Så har til og med plass til et par avantgarde-låter som den nervøse We Do What We're Told (Milgrams 37) og den humørfylte This is the Picture (Excellent Birds), som ble skrevet og fremført med Laurie Anderson.
Og selvfølgelig kjenner alle Sledgehammer og dens enestående musikkvideo. Ikke noe heftig konsept der, bare ren moro og en strålende re-envision av Motown soul. Avhengig av din sinnstilstand når du lytter til den, Så vil enten etterlate deg ladet eller utslitt. Uansett er det en god følelse. — Cat Blackard (2010)
81. Adele – tjueen
Begrepet kulturell tilbakestilling ble overbrukt på et visst tidspunkt, men hvis det gjelder hvor som helst i denne samtalen, er det for Adeles tjueen . Til tross for sangerens eksisterende prestasjoner før albumets utgivelse, den verdensdominerende suksessen til tjueen var noe av en overraskelse at det var like sjeldent da som det ville vært nå at et emosjonelt, noen ganger mørkt, bluesy, melankolsk album ikke bare gjorde det bra på listene, men forblir det bestselgende albumet i to år på rad. LP-en er kreditert for å hjelpe til med å revitalisere fysisk salg for en bransje som gikk over til streaming toppsalgslister i mer enn 30 land, det er tydelig at 21 var noe vi alle trengte å holde i hendene våre.
Albumet er fullpakket med det som nå kan betraktes som to av århundrets mest gjenkjennelige sanger: Rolling in the Deep og Someone Like You. To ytterpunkter, produksjonsmessig, men det de har til felles er at Adeles utrolige stemme står i sentrum. Legg til den skarpe Rumor Has It, den katartiske Set Fire to the Rain og den gjennomtrengende Turning Tables, og Adele viste seg som en låtskriver sterk nok til å matche hennes ubestridelige vokal. Sangene foreviget inn tjueen er så tilstede, så presserende og menneskelige, fordi Adele Adkins åpnet hjertet sitt og delte alt med oss.
Albumet er hjemsøkt, både av spøkelsene fra en mislykket kjærlighet og av minner som ser ut til å forsvinne så snart de dukker opp. Til tross for de personlige detaljene pepret gjennom tjueen , det er et hjerteknusende album som har kapasitet til å bli universelt forstått. — Mary Siroky
80. Erykah Badu - Beduinisme
Tittelen på Erykah Badus upåklagelige debutalbum høres ut som om hun prøver å starte en bevegelse. Og det var hun på en måte. Snakker til MTV Nyheter , spesifiserte Badu det Beduinisme ble designet for å få deg høy. Ikke en forbigående, kunstig buzz, men en altomfattende reise av sinn og selv som vi sannsynligvis aldri kunne begynne å forestille oss, og ikke en religion ... en opplevelse.
Det kan virke ganske hyperbolsk for en samling sanger fra en artist som nettopp hadde gitt ut sitt første album. Men Badu lover ikke paradis eller guddommelig sannhet, bare en opplevelse. Og Beduinisme er en berusende en. Et av, om ikke det mest, ærede albumet i neo-soul-subsjangeren, det er unektelig en indikasjon på sin epoke mens den fortsatt føles frisk. Fra den sitrende raslingen fra Questloves trommer på den melodramatiske Other Side of the Game til den struttende bassen på den trassige. Klart, lydene og Badu støtter hverandre vakkert.
Det tilbys også støtte til lytteren. Badu er en for god forfatter til å skje med budskapet hennes. hennes kamper og hvordan hun relaterer dem er så veldig forståelig uten å falle inn i tomme, generiske floskler. Ikke alle følelsene er ordnet opp mot slutten av det, men Beduinisme sier at reisen til svar på livets største spørsmål er like viktig som selve svarene. — M.K.
79. Politiet – Synkronisitet
For enhver gruppe som lurer på hvordan man gjør en exit, trenger du ikke lete lenger enn Synkronisitet . The Polices siste gruppealbum kom i 1983 og innledet på en måte lyden av tiåret. Albumets store avhengighet av synth viste verden fremtiden, da gruppen skapte musikk som virkelig var like stor som deres rykte. Hvert åndedrag du tar. Viklet rundt fingeren. Konge av smerte. Synkronisitet II. Det er sanger laget for stadioner som varslet Stings fremtid.
I stedet for å bare holde seg til spilleboken deres med reggae, jazz og punk, Synkronisitet finner ut at gruppen lager sin egen vei og ber alle andre om å bli med hvis de kan. Det er et dristig trekk for det største bandet i verden å ikke bare avslutte løpet mens de er på toppen av fjellet, men å endre alt folk visste om dem i prosessen.
Den eneste grunnen til at det fungerte er fordi musikken var, og fortsatt er, ubestridelig. Det er morsomt hvordan en gruppe som startet som en del av Storbritannias new wave og punkscene ble synonymt med popmusikk. Tekstene er ikke mer tilgjengelige enn normalt, emnene er ikke lettere (sjekk ut Every Breath ...), og produksjonen er ikke mindre komplisert. Likevel, på en eller annen måte, Synkronisitet høres bare ut som den er laget for MTV.
Stings vokal viser mer dybde også her, nesten som han varmet opp for solokarrieren. Dette var ikke planlagt som gruppens siste album, men frontmannen – sammen med en rekke andre livsfaktorer som kom i veien for gruppeharmoni – gjorde det slik. I Stings tanker var dette albumet deres høydepunkt, og det var ingen måte å toppe det. Ikke for ingenting, men han hadde rett. — Marcus Shorter
78. Billy Joel – Den fremmede
Med en god del frekvens kan du finne en artists avgjørende sang på deres beste album. Men det er ikke tilfelle for Piano Man, Billy Joel. Det sporet kom på hans andre LP, som han fulgte opp med et par plater som presterte så dårlig at Columbia truet med å droppe ham. Kanskje den faren ga Joel en intet mindre å miste holdning, han var så fast på at det nye turnébandet hans spilte med ham på neste album at da hans førstevalg for produsent, George Martin, ønsket å bruke studiomusikere, avviste Joel ham.
Og det viste seg å være riktig trekk. Sammen med produsent Phil Ramone, Joel og bandet hans satt sammen Den fremmede , som står som den beste samlingen av spor i hitmakerens karriere. Scener fra en italiensk restaurant har blitt like signatur som Piano Man, til tross for at de aldri ble utgitt som singel. Just the Way You Are tok med seg Grammy-plater og årets sang med hjem, Movin' Out (Anthony's Song) er en sertifisert klassiker fra amerikansk drømmeopprør, og Only the Good Die Young er fortsatt like rik på utsendelsessitater i årbok som den gjorde da Kristne grupper krevde at det ble utestengt fra radioen.
Det er kanskje ikke et mer splittende popikon i musikk, men jeg utfordrer deg til å lytte til Vienna eller She's Always a Woman og si at Joel ikke var på høyden av kreftene sine Den fremmede . — B. Kaye
77. JAY-Z – Det svarte albumet
Stopp oss hvis du har hørt dette før: JAY-Z ble pensjonist. Hiphop-tilhengere vet at Shawn Carter's alltid hadde hatt en exit i tankene siden hans første album i 1996. Men som han sier på 2003's Det svarte albumet , lokket med spillet var for mye til å ignorere.
I de fleste av de syv årene mellom '96-'03 var han en av sjangerens dominerende skikkelser. Selv på hans siste album er den konkurransesulten fortsatt til å ta og føle på. PSA, What More Can I Say, Threats og 99 Problemer viser hans finstemte lyriske dyktighet. 4. desember og Moment of Clarity gir personlig og faglig innsikt (Sannlig vil jeg rime som Common Sense/ men jeg gjorde 5 Mil, I ain't been rhyming like Common since), mens Change Clothes and Dirt Off Your Shoulder illustrerer en utvikling i lage hitrekorder.
Change Clothes er ikke en sang Jay kunne lage i '98 eller '99. Innholdet alene viser hvor mye han vokste personlig fra dagene til Big Pimpin. Til tross for hvisking av grunne på den tiden, kartla de som virkelig lyttet Jays endringer gjennom karrieren, med De Svart album står som toppen av den metamorfosen. Jada, vi har fått flere album siden, og vi vil sannsynligvis få ett til når du er ferdig med å lese dette. Men i 2003, da en yngre gruppe rappere ledet av 50 Cent skapte bølger og Jay oppfylte sine kontraktsmessige forpliktelser til Def Jam mens han avsluttet karrierefortellingen, var det virkelig den perfekte tiden å si farvel. — M. Kortere
76. The Smiths – Dronningen er død
Hvis du ikke allerede var klar over det, fant Morrissey opp å være trist. Ok, egentlig ikke. Men mannen født Steven Patrick Morrissey og hans tøffe gjeng med arbeiderklassemenn fra de dystreste og gråeste delene av Manchester kalt The Smiths har lenge dyrket en så spesifikk merkevare av å være trist og ensom med musikken sin at det er nesten umulig å huske at sorg fantes. før Dronningen er død .
Kombinasjonen av Morrisseys skeive og vittige tekster om kjærlighet (og også det evige fraværet av den), følelsen av en uendelig ensomhet, men mangelen på vilje til å rette på det, og Johnny Marrs signaturgitarspill gjør denne platen til en varig klassiker. Låtskrivingen, alltid melodisk med Morrisseys umiddelbart gjenkjennelige barytonstemme, er smart og mørk og sørgmodig og selvironisk – noe alle post-Morrissey-tekstforfattere har prøvd og ikke klart å etterligne.
Moz roper ut bandets kritikere i The Boy with the Thorn in His Side og Cemetry Gates, mens Never Had No One Ever og I Know It's Over er nihilistiske oder til evig ensomhet. Så kommer selvfølgelig albumets kronjuvel: There Is a Light That Never Goes Out, der Morrissey våger å eksperimentere med en sjelden optimistisk tilnærming til kjærlighet – men som uunngåelig likevel ender med døden.
Likevel er det den ultimate romantiske hymnen: Og hvis en dobbeltdekkerbuss/ krasjer inn i oss/ Å dø ved din side/ Er en så himmelsk måte å dø på. Drømmer vi ikke alle om en kjærlighet som er så altomfattende at vi heller vil bli påkjørt av en buss i stedet for å fortsette å leve uten dem