De 100 beste filmlydsporene gjennom tidene

Redaktørens merknad: Denne artikkelen ble opprinnelig publisert i november 2017.

Konsekvens satte ut for å ta en titt på hva som gjør et filmlydspor bra, noe som virket mye enklere på papiret enn i utførelse.

Vi fant mange lydspor som utmerket seg ved å bruke subtile sanger i periferien av sentrale scener, og vi kom også over filmer som slapp musikken rett inn i historien, som en del av handlingen eller til og med som en karakter selv. Vi kom over de filmene som laget hits av ellers obskure sanger, samtidig som vi tok hensyn til filmer som kapret en populær sang og gjorde den umulig å skille fra selve filmen. Enda viktigere, vi så på lydsporene som forbedret filmen og gikk hånd i hånd med tonen og historien, og ga deg større innsikt i sentrale scener og karaktervekst.

Vi unngikk musikaler, bandfilmer, konsertfilmer og partiturer i denne forbindelse, med fokus utelukkende på den beste bruken av populærmusikk i film , kjemmet gjennom filmer fra 60-tallet helt frem til 2017 til vi hadde valgene våre. Som med en hvilken som helst liste av denne størrelsen, er det garantert uenigheter, samt noen lydspor som burde ha klart seg. Fortell oss hva du tror vi gikk glipp av, men i mellomtiden kan du lene deg tilbake og ta en virvelvindtur gjennom musikk på kino med våre valg for de 100 beste filmlydsporene gjennom tidene.

–Doug Nunnally
Medvirkende forfatter

100. Juno (2007)

Jason Reitman og Diablo Codys sære drama om en mistilpasset tenåring som befinner seg gravid i to måneder og bestemmer seg for å få og adoptere ut babyen sin, får mange ting til. En av dem er et lydspor som nærmest fungerer som en interiørmonolog for tittelfiguren. Mens Juno MacGuff kan grave den rå kraften til Iggy og hans Stooges, føles det å ha indieveterinær Kimya Dawsons myke stemme og rare tekster som flyter inn under overganger eller når Juno står overfor et vanskelig øyeblikk, som en langt bedre match. Så opptatt av Dawsons musikk var Reitman at han fikk henne til å spille inn instrumentaler og nynning på nytt for å bruke for scener og ga Mateo Messina i oppdrag å bruke stilen hennes som grunnlag for partiene i filmen. Sluttresultatet er et lydspor av uforglemmelige øyeblikk som Juno og Paulie i duett med Anyone Else but You og sistnevnte fullfører morgenrutinen sin til The Kinks' strålende A Well Respected Man. Veiviser. –Matt Melis

99. Batman for alltid (nitten nitti fem)

Jo mindre det er sagt om Joel Schumachers Batman-filmer, jo bedre, men det må gis ros til lydsporet for hans første forsøk. Selv om bare noen få av sangene vises i filmen, fanger lydsporet opp ballen Schumacher så tilfeldig falt med en dyp melange som bidro til å illustrere Batmans grove natur, Robins bemyndigede galle, Riddlers maniske fordervelse og Two-Faces knuste nød – alle ting effektivt fraværende i Schumakers påtrengende visjon. Den treffer ikke helt det høye preg av Princes tolkning, men takket være Seals kraftfulle sang og U2s overraskende perle, kommer den definitivt i nærheten. –Doug Nunnally

98. Karate barnet (1984)

Se, Karate barnet er i utgangspunktet Little Rocky. Du har regissør John G. Avildsen bak kameraet igjen, og kompisen hans Bill Conti la til nok en triumferende poengsum for å få alle til å tro at en underdog kan stige til topps. Men, som enhver historie som er pakket om for et yngre publikum, må den være hip, og det er egentlig hva dette lydsporet er - i hvert fall for tiden. Selv da var det ingen som hørte på Joe Espositos You're the Best uten å synge ironisk med (helvete, den ble avvist av Rocky Balboa selv), men de rocket ut til Gang of Four (Desire) eller Broken Edge (No Shelter). Og selv om det er en forbrytelse, Bananaramas Cruel Summer ble utelatt, får du New Wave-fiksen din med Commuter (Young Hearts) og Baxter Robertson (Feel the Night), to sanger som lovlig vil tære på sjelen din. Voks på, voks av, folkens. –Michael Roffman

97. Space Jam (nitten nittiseks)

Her er noe som ikke blir diskutert mye - lydsporet til Space Jam inneholdt fem Topp 40-hits, fire av dem var Topp 10-hits som gjorde 1996 og 1997 til en tid da du ikke kunne unnslippe dette lydsporet hvis du prøvde. Men den virkelige sjarmen til dette lydsporet ligger utenfor hitene, som flotte dans/hip-hop sanger av Robin S og Salt-N-Pepa, selv om alt du egentlig trenger å vite om kvaliteten på dette lydsporet er at det fikk Busta Rhymes, Coolio, LL Cool J, og Method Man samarbeider om en sang om de skurke Monstars ... og den er helt fenomenal. –Doug Nunnally

96. Angus (nitten nitti fem)

Hvis vi snakker om at lydspor er symbolsk for opplevelsen på midten av 90-tallet på videregående skole, er det få som er så utprøvde og sanne som Angus . På den tiden hadde hele grunge-scenen viket for en mer alternativ lyd med Green Day og Weezer i spissen. Ville du ikke vite det, de begge header denne samlingen, hva med Green Days minnesang J.A.R. (Jason Andrew Relva) tipser om LPen og Weezers You Gave Your Love to Me Softly sittende midt mellom Ash, Smoking Popes og The Muffs. Morsomt faktum: Den sistnevnte sangen var ikke ment for lydsporet, da frontmann Rivers Cuomo opprinnelig skrev en sang for filmen med tittelen Wanda (You're My Only Love), som ble avvist for å være en for streng tolkning av filmen . Det er greit, som Angus vant de til slutt, og slapp Pinkerton neste år. –Michael Roffman

95. Elizabethtown (2005)

Cameron Crowes mye utskjelte avhandling fra 2005 om vennlighet, tilgivelse, kjærlighet og Manic Pixie Dream Girls kan ha blitt en punchline i sin egen tid, men et av de mer varige inntrykkene er lydsporet, laget spesielt for å bringe Orlando Blooms suicidale eks-sko. designer (jepp) tilbake fra randen. Gjennom en blanding av Kirsten Dunsts kjærlighet og en vidstrakt spilleliste inkludert Tom Petty, Ryan Adams, My Morning Jacket, Lindsey Buckingham, Elton John, U2 og en rekke andre kjente og mindre navn, fungerer Crowe som den velvillige guden til filmen hans. kjærlig verden. Bloom kan være fanget i en fiasko, men lydsporet ser rett frem mot klarere himmel. — Dominick Suzanne-Mayer

94. Times Square (1980)

du har sannsynligvis aldri sett Times Square . Ikke bekymre deg. Ikke mange har. Selv nå, til tross for dens kultbemerkelse, er Allan Moyles punkrock-film som kommer av alder, en perle under radaren. De som har sett det, husker sikkert det banebrytende dobbeltalbum-soundtracket som inneholder en hvem er hvem av punk og new wave-titaner rundt 1980, fra Talking Heads til The Cure, Gary Numan til Patti Smith. Som Våt varm amerikansk sommer komponist Craig Wedrenfortalte oss for år siden, Times Square fullstendig sprakk [undergrunnen] åpen. Det var en introduksjon til musikken vår, vår generasjons musikk: den tidlige MTV-hardrockens topp 40 og den nye bølgen som skjedde mellom 1979 og 1981. Med andre ord, en i det vesentlige en tidskapsel. –Michael Roffman

93. stjele skjønnhet (nitten nittiseks)

Den italienske forfatter-regissøren Bernardo Bertolucci har nådd alvorlige høyder når det gjelder episk drama ( Den siste keiseren ) og provoserende, kontroversiell sensualitet ( Siste tango i Paris ). Liv Tyler med hovedrollen fra 1996 stjele skjønnhet har kanskje ikke den kulturelle cachen eller kritiske godkjenningsstempelet til hans mest elskede filmer, men den atmosfæriske, blå stemningen til lydsporet alene fyller filmen med røykfylt appell som overskrider 90-tallsbåndene. Filmen finner melankolien i Cocteau Twins samt Mozart, Mazzy Star og Nina Simone. Filmen er hjemsøkt av poesi (Liv Tylers Lucy tar for seg poetmorens død), og lydsporet er på samme måte besatt av skjønnheten i stille øyeblikk og subtile, svaiende følelser. Men når stemningen bryter, som det uunngåelig må, vil du bli hardt presset for å finne bedre eksplosjoner enn Stevie Wonders Superstition. -Lior Phillips

92. 500 dager av sommeren (2009)

500 dager av sommeren Lydsporet til fungerer som en sammenhengende gel, og setter sammen den usammenhengende fortellingen slik at du kan absorbere de ikke-lineære scenene med bedre klarhet og kontekst. Selv om vi vet hvordan det ender, lar The Temper Trap's Sweet Disposition oss oppleve kjærlighetens storøyde undring, mens Hall og Oates' You Make My Dreams Come True hjelper til med å illustrere fantasiene. Det beste tilfellet for musikk som bygger bro over gapet er forventnings- og virkelighetsscenen, behendig scoret av Regina Spektors Hero. Øynene dine går mellom de to scenene som utspiller seg, men det er sangens skuffede tone du ikke kan unngå, og hamrer inn scenens og lydsporets sanne innvirkning. –Doug Nunnally

91. The Lost Boys (1987)

Det verste med The Lost Boys lydsporet er det du må Forestill deg Tim Capello uten overkropp når du hører på I Still Believe. Det er en latterlig sang som fungerer mye bedre på skjermen, der vi faktisk kan se hans tykke, muskel-y magemuskler som gjenspeiler strandflammene i Santa Carla, California. Ikke desto mindre er det mange andre godbiter å sette tennene i på dette albumet, som kan være den mest bisarre samlingen av musikere samlet for det som tilsynelatende er en alty 80-tallsfilm. Som, hvorfor dekker Echo and the Bunnymen The Doors' People are Strange

Hvis du skal skrive en film med en kamp om bandene i kjernen, bør du være klar til å ha et flott lydspor og noen låtskrivere på toppnivå om bord for å sikre at du faktisk kan bygge litt drama inn i den klimakskampen. Til Scott Pilgrim vs. verden , Edgar Wright samlet et superteam for å sørge for at begge sangene ble valgt og komponert for lydsporet ville rocke hardt nok til å bokstavelig talt kjempe mot konkurrenter. Sangene til Scotts band, Sex Bob-Omb, ble skrevet av Beck, mens Broken Social Scene skriver og opptrer som Crash and the Boys. Men la oss ikke glemme å kreditere skuespillerne: Michael Cera, Mark Webber, Alison Pill, Johnny Simmons og Erik Knudsen spilte faktisk alle instrumenter og sang for lydsporet, mens Sloans Chris Murphy trente gitar. Legg til en blanding av trampende klassisk rock (T. Rex, The Rolling Stones) og et partitur med Radiohead-bidragsyter Nigel Godrich, Beck, Dan the Automator, Cornelius og flere, og Scott Pilgrim har den frekke stamtavlen til å trekke frem sin musikalske innbilning. -Lior Phillips

89. Ghostbusters II (1989)

Hot take: Bobby Browns beste sang er On Our Own. Det er ikke ironi. Det er ikke overdrivelse. Det er et kaldt, vanskelig faktum. De facto kjenningsmelodien til Ghostbusters II trives av en sitrende glasur av New Jack-swing, som ikke ville høres så polert og frodig ut før Michael Jackson ville gå all-in på sjangeren et par år senere på 1991-tallet Farlig . Det er en total forbedring i forhold til Ray Parker Jr.s originale tema, som også får en ansiktsløftning på dette lydsporet med en remiks av den eneste Run-DMC. (Ikke overraskende er versjonen deres bedre.) Andre steder blir du slanket av litt hiphop (Doug E. Fresh), litt veteranrock (Elton John, Glenn Frey) og en hel masse soul (Howard Huntsberry), alt sammen hvorav skriker 1989. –Michael Roffman

88. amerikansk pai (1999)

Hva du må fortsette å fortelle deg selv når du ser på amerikansk pai er at, ja, dette er en film fra en annen tid. Ellers kommer du til å få en aneurisme fra all den utbredte homofobien og det faktum at dens mest ikoniske scene er direkte seksuell predasjon. Likevel, selv om filmen nesten ikke holder mål, gjør lydsporet det, og oser av all slags alt-rock fra slutten av 90-tallet som sannsynligvis vil være en stor kilde til nostalgi om et par år hvis den ikke allerede er det. De som også gikk på videregående skole i den epoken, vil sannsynligvis stirre bort i det fjerne til Bic Rungas Sway akkurat som de vil hoppe hodet til Blink-182's Statens klyster gem Mutt. Det som er mest sugende med dette lydsporet, er imidlertid alle sangene som ble utelatt, fra Duke Daniels’ Following a Star til Harvey Dangers Flagpole Sitta, til filmens tilsynelatende tema, James’ Laid. Jaja. –Michael Roffman

87. Kjærlighet og basketball (2000)

Alle gode kjærlighetshistorier utvikler sitt eget lydspor, og den søte, røykfylte, langvarige romantikken mellom Sanaa Lathans Monica og Omar Epps’ Quincy i Kjærlighet og basketball er intet unntak. Karakterene utvikler en attraksjon over flere tiår, og alt mens de trener og konkurrerer. Ved å nå tilbake til Zapp og Chaka Khan og gå hele veien gjennom til moderne R&B-jam som Bilals Soul Sista, reflekterer lydsporet endringer i intensitet og æra uten å miste tråden av frustrert romantikk. Og når de endelig finner ut at kjemien deres fungerer utenfor banen og kommer i gang, gir Maxwells This Woman's Work den søte og lune bakgrunnen. —Adam Kivel

86. Frokostklubben (1985)

Få, om noen, moderne filmskapere tar ungdomstidens hverdag så alvorlig som forfatter-filmskaper John Hughes en gang gjorde. Hvor engasjert var Hughes' Don't You (Forget About Me), feirer han ikke bare nok en forvaring gjort og over med eller til og med sin nye kjæreste, det er en gest som minner selv de mest skeptiske blant oss at det virkelige livet finner sted noen ganger hvor og når vi minst venter. Det er noe John Hughes visste altfor godt. –Matt Melis

85. amerikansk skjønnhet (2000)

Svært få midtlivskriser høres så eksepsjonelt ut. For Lester Burnham, den sardoniske hovedpersonen i Sam Mendes’ amerikansk skjønnhet , denne forstadsfarens skurrende venstresving fra normalitet er til enhver tid vakker, overbevisende og medrivende. Det er Bill Withers som bringer sjelen på Use Me, Elliott Smith som matcher roen til komponisten Thomas Newman med Why, og FM-jammene til The Who (The Seeker) og Free (All Right Now). Generasjonsgapet mellom alle handlingene – umm, det svinger fra Bobby Darin og Peggy Lee til Gomez and the Eeels – virker nesten implisitt, når man ser hvordan dette er en film om en gammel mann som prøver å ha sex med en ung kvinne – skraper det, en ung tenåring. Ikke rart Kevin Spacey vant Oscar! –Michael Roffman

84. The Darjeeling Limited (2007)

Tre Kinks-sanger glir inn mellom Bollywood-sporene i Wes Andersons femte film for å vise frem tre amerikanske brødres visjonsoppdrag gjennom det indiske landskapet. Owen Wilson, Jason Schwartzman og Adrien Brody sørger over tapet av faren sin og er fanget i sykluser av familiær kamp, ​​men finner en ny fred sammen. Trioen beveger seg fra å lure på hvor de vil være This Time Tomorrow, til å oppdage at selv om de er Strangers er de én på denne nye veien, til å ta tak i kampen mot Powerman-figuren som alltid håndhever status quo som hadde beholdt dem fra hverandre. Og etter hvert som filmen fortsetter, blir den indiske musikken mindre rar og mer essensiell for forholdet deres. —Adam Kivel

83. Shaun of the Dead (2004)

Samtidig som Baby sjåfør befestet Edgar Wrights uovertrufne evne til å gjøre musikk til en viktig karakter og del av fortellingen, fans av hans tidligere filmer – og rope ut til Mellomrom også - vil ivrig forklare at det alltid har vært tilfelle. Den første filmen i Three Flavours Cornetto-trilogien, Shaun of the Dead bruker både diegetisk musikk og smart scoring til komisk og dramatisk innvirkning. Pete Woodhead og Daniel Mudford skapte partituret til ære for klassiske zombie- og skrekk-lydspor, fra John Carpenter-vibber til Goblin-intensitet. I mellomtiden, high-wire koreografi av Baby sjåfør er foretatt av (blant andre scener i Wrights filmografi) en strålende scene der Shaun, Ed, Liz og co. bekjempe zombier i Winchester som hadde blitt trukket inn av en defekt jukeboks som ikke ville slutte å spille Queen's Don't Stop Me Now. —Adam Kivel

82. Midnight Cowboy (1969)

Som selve filmen, lydsporet til Midnight Cowboy er en ambisiøs affære med en samling sanger som kombinerer country-folkeinstrumenter og en rekke rockestiler, fra den radiovennlige rockelyden (inkludert en cover av en flott tidlig Warren Zevon-sang) til mer ekspansive psykologiske utforskninger, som alle hjelper utforske den kompliserte psyken i historien. Blandingen hjelper også partiturstykkene til å gi gjenklang, og setter scenen for den ikoniske Everybody's Talkin', som fører til den første Grammy-en for både Harry Nilsson og den legendariske komponisten John Barry. –Doug Nunnally

81. Top Gun (1986)

Når det gjelder filmlydspor fra 80-tallet, Top Gun er kanskje ikke det beste i tiåret, men det er absolutt blant de mest minneverdige. Som albumgrafikken ovenfor antyder, er den i det minste der oppe med det beste av det beste. Tony Scotts film er drapert i høy, nesten konstant popmusikk, men det er de to klassikerne fra filmens lydspor som har kommet til å definere filmen enda mer enn all den velskutte, ofte homoerotiske handlingen på hånden noensinne kunne ha. Kenny Loggins tilbød en ny vei for Amerika, på motorveien til faresonen, der Tom Cruises dyktigste pilot bor og eksisterer i alle hans sysler. Og ikke bare understreket Berlins Take My Breath Away hver av filmens mange illustrasjoner av den totalt hetero lidenskapen som involverer Cruise og Kelly McGillis' programinstruktør, men den ble en av tiårets største kraftballader som definerte formen. Leser du dette nå? Det er som en 40 % sjanse for at du ble gjort til melodien Take My Breath Away. Gratulerer. — Dominick Suzanne-Mayer

80. Mo’ Better Blues (1990)

Som en film, Mo’ Better Blues er kanskje ikke et av Spike Lees mer fremragende verk, men det har utvilsomt et av hans beste lydspor. Branford Marsalis-kvartettens arbeid her spiller en avgjørende (man kan til og med si instrumental) rolle i Lees film, og skildrer fremveksten og fallet til Denzel Washingtons Bleek med livlige, improvisasjons-følende jazzriff av alle slag. I tillegg, hvor ofte får du høre Washington, Gang Starr og Wesley Snipes opptre over jazzmusikk

Sofia Coppolas misforståtte, anakronistiske 2006-taking av den siste dronningen av Frankrike før revolusjonen snakker dekadensens språk som bare en Coppola-film kunne. Likevel er lydsporet, som til å begynne med en del lyttere, en av de største, en øvelse i melankolske poplyder som klarer å kommentere en hedonistisk epoke ved å bruke lydene til en annen. New Order, Bow Wow Wow, The Radio Dept. og en rekke andre artister legger til de frodig utsmykkede omgivelsene, og glorifiserer i en tid med overflod selv når det nærmer seg sin plutselige, voldelige og uunngåelige slutt. Det er et pop-lydspor for verdens ende, slik mange kjente det. –Dominick Suzanne-Mayer

78. Hvor de ville tingene er (2009)

Åtte år senere er vi fortsatt med jevne mellomrom forvirret over at Warner Bros. ga Spike Jonze 100 millioner dollar i studiopenger for å lage det som kan være en av de tristeste filmene noensinne rettet mot barn. Ennå Hvor de ville tingene er er verdt hvert øre, en oppriktig magisk bit av smertefull fantasi, og en av de bedre illustrasjonene av barndommens frykt og angst som noen gang er blitt sett på filmlerret. Lydsporet, av Karen O and the Kids, forsterker den magiske realismen til Jonzes spillefilm, og handler om enkle og resonansfulle melodier som overskrider sangen til Os vokal, som gir den samme pinefulle lilten til filmens sparsomme, enkle ballade som hun ofte gjorde for å til og med noe av Yeah Yeah Yeahs' mest bitende arbeid. Det er et perfekt ekteskap mellom kunstner og kunst, et lydbilde som supplerer og legger til den allerede fantastiske filmen den er knyttet til. — Dominick Suzanne-Mayer

77. Boomerang (1990)

Et perfekt øyeblikksbilde av tidlig 90-talls R&B, Boomerang Soundtracket fanget skiftet av den musikalske vakt, og viste stolt underverkene til New Jack swing mens du forhåndsviste den ekspansive hiphop-sjelen som skulle komme. Både filmen og lydsporet hadde varig effekt på bransjen, og lanserte i hovedsak karrierene til Halle Berry og Toni Braxton, samtidig som de ga rikelig eksponering for en vaskeriliste over artister som ville fortsette å fylle skjermen og eteren på 90-tallet: Martin Lawrence, Boyz II Men, Tisha Campbell, TLC, Chris Rock, A Tribe Called Quest. –Doug Nunnally

76. Pen i rosa (1986)

Pen i rosa er kanskje ikke alltid på toppen av noens John Hughes maktrangering, men det er alltid en konsekvent topp fem, en vill historie om ung kjærlighet som står som en av hans direkte morsomme filmer. Men kanskje mest minneverdig, i hvert fall for noen, er filmens new wave-lydspor, et som gjorde OMDs If You Leave til en hitliste og introduserte ganske mange unge amerikanere for New Order og Echo and the Bunnymen. Det er alt for å ikke si noe om det titulære Psychedelic Furs-sporet, den typen sang som fanger 80-tallet i alt dets valmueoverskudd i løpet av bare noen få minutter. Duckie hadde også mye mer å tilby enn Blaine på lang sikt. Nei, vi har ikke sluppet dette ennå. –Dominick Suzanne-Mayer

75. Onde intensjoner (1997)

Overlat det til en film om glorete seksuell utpressing for å få frem litt stor filmspenning, noe den gjør så bra at den unngikk den myke kjernepreferansen til de sleske oppfølgerne. Filmens overraskende rike lydspor bidrar til å bygge den subtile abstraksjonen, en som dreier seg mest om en sjanger som uanstrengt mestret evnen til å være livlig og foraktelig samtidig: Britpop! Tidens alt-rock får sin tid til å skinne også her, nærmere bestemt Counting Crows’ vidunderlig dystre Colorblind, men igjen, filmen lykkes fra Britpops rygg, et faktum som er solid bevist av den teatralske avslutningen som er feilfritt satt til The Verves Bittersweet Symphony. –Doug Nunnally

74. apokalypse nå (1979)

Tenker tilbake på apokalypse nå , filmen blir i hovedsak en serie med skremmende Nam-flashbacks, mye takket være lydsporet. Regissør Francis Ford Coppola og broren Carmine arrangerte lydsporet som en helhet, men de mest minneverdige opplevelsene kommer i øyeblikk: soldatene bruker Wagners Ride of the Valkyries på helikopterinngangen for å skremme Vietcong, en amerikaner som danser skjorteløs til Rolling Stones' Tilfredsstillelse når båten deres kjører nedover elven, og The Doors' The End spiller over en montasje av ødelagte skoger og forkullede slagmarker. Gjennomgående viser disse angivelig triumferende og bombastiske sangene i stedet hybrisen og redselen fra Vietnamkrigen. Lydsporet gjenspeiler den følelsen så vel som nedstigningen til galskap, alt livet renner ut av musikken i en forferdelig, mektig opplevelse. —Adam Kivel

73. Spring Breakers (2012)

Harmony Korines pop-trash-mesterverk gjør det tidligere utenkelige: det gjør Skrillex til høykunst. Korines kronikk om bortkastet ungdom (i alle forstander) kan være skitten, profan og mer enn litt slitsom, men den snakker også det hedonistiske, stort sett tullete språket til de uutholdelige hovedpersonene. For å sette tonen vasker Korine filmen i trashy EDM-overskudd, en sjanger han matcher visuelt etter skuddet, og trekker frem den genuine emosjonelle resonansen til synth-stammene under With You, Friends selv mens han erkede kommenterer hvor ekkelt hele fasaden egentlig er. er. Og i helvete, uansett hva du gjør om filmen, vil vi satse penger på at du ikke har glemt den sublime galskapen til James Franco som synger inn i Britney Spears' Everytime mens filmen sporer han og et band av egensindige unge kvinner gjennom en streng av ran i Nord-Florida. –Dominick Suzanne-Mayer

72. Vill stil (1983)

Få regioner vil noen gang ha et legitimt krav på å virkelig drive hiphop-spillet på den måten som South Bronx gjorde i sjangerens tidlige dager. Og mens Vill stil er kanskje ikke en filmklassiker på sine egne fordeler, det er en av de absolutte hjørnesteinene i rapkulturen på film, om ikke annet for det ikoniske lydsporet, som nå fungerer som et retrospektivt utstillingsvindu for artistene og lydene til det som skulle vise seg å være en av århundrets viktigste musikalske bevegelser. Det er kanskje ikke fullt av kjente navn, på den måten som så mange andre hiphop-lydspor på denne listen bygde arven sin, men å høre Vill stil er å høre opprinnelsen til rapmusikk slik vi kjenner den i dag. Hvor mange andre filmer kan gjøre krav på noe sånt

Musikk spiller en stor rolle i Veggblomst , styrker karakterens bånd og fortsetter historien. Med filmbegrensninger som de er, er det ikke fullt så konkretisert som det er i Stephen Chbsokys roman, men filmen mer enn kompenserer for dette med blendende scener satt til klassiske sanger mens de mer subtile paringene forbedrer historien. Cracker's Low introduserer dristig gruppen, mens New Order's Temptation følger en Rocky Horror erfaring og Cocteau Twins’ Pearly-Dewdrops’ Drops monterer vakkert det bittersøte farvel. Alle peker på den dypere meningen med hver scene, noe som gjør den klimatiske scenen så virkningsfull og oppdagelsen av tunnelsangen så triumferende. –Doug Nunnally

70. Reglene for attraksjon (2002)

Overraskelse, overraskelse: en film basert på en Bret Easton Ellis-bok har en fantastisk sans for tone og lyd. Samtidig som Reglene for attraksjon kan være en av de mer ukjente tilpasningene av Ellis' verk, men det spikerer også det stoffdrevne ennuiet av historiefortellingen hans bedre enn de fleste. Avgjørende for det er det disige lydsporet, som taler til en veldig spesiell type college-opplevelse: artikulert, erotisk og helt og fullstendig grusom etter en stund. The Cure, Harry Nilsson, Love and Rockets, og til og med Yaz understreker det som må være en av de mest unike tenårings-/ungvoksenfilmene i det meste, og skaper et lydspor som taler til melankolien under selv de mest hedonistiske livene. –Dominick Suzanne-Mayer

69. Zodiac (2007)

En del av det som gjør David Finchers historiske thriller fra 2007 Zodiac så overbevisende er dens evne til å formidle tidens gang. Dette er et avgjørende element i en historie som omhandler besettelse og hva den besettelse vil gjøre med den menneskelige psyken. I tillegg til visuelle signaler, som den fascinerende konstruksjonen av San Franciscos skyline, støttet Fincher seg også tungt på et lydspor som spenner over flere tiår og fanger tidsånden til hver respektive epoke: Three Dog Nights melankolske cover av Easy to Be Hard legger til en fredelig sammenstilling til en hjemsøkende åpningsscene pynter Santanas Soul Sacrifice kjas og mas i journalistlivet, Marvin Gayes Inner City Blues (Makes Me Wanna Holler) sier alt Mark Ruffalos beseirede detektiv ikke kan, og Donovans Hurdy Gurdy Man er denne filmens Goodbye Horses . Uhyggelige greier. –Michael Roffman

68. Ghostbusters (1984)

I tiåret med store temaer skapte Ray Parker Jr. en av de absolutt beste. Så smittende at de fleste kjøpte lydsporet for den ene sangen alene, selv om de ville blitt positivt overrasket over resten av lydsporet. Kort, men minneverdig, inneholdt den utvalgte klipp fra Thompson Twins og Laura Branigan, alle dyktige og villige til å filme plottet i denne livlige komedien. Den virkelige perlen er imidlertid Mick Smileys Magic, som mørkt understreker en flott montasje, og skifter tonen fra komisk boltre til presserende krise ... eller så mye du kan med Bill Murray og Rick Moranis rundt. –Doug Nunnally

67. Garden State (2004)

Nå har mange menneskers liv blitt forandret av sarkastiske vitser om hvordan Shins vil forandre livet deres, men la oss være ærlige: når Garden State først kom ut, det øyeblikket bar litt magi. Og utover New Slang passet lydsporet både til Zach Braffs melankolske, men søte verdensbilde og vendte ørene til så mange seere til en koselig genser, emosjonelt merke av indierock og folk. Simon og Garfunkels Only Living Boy i New York fungerer som en åndelig kjerne, en ensom sødme som gjennomsyrer takket være ekkokammervokalen. Derfra fortsetter valgene fra Colin Hay til Thievery Corporation den melankolske stemningen gjennom tidene, og finner til slutt litt liv i Iron and Wines Such Great Heights-omslag. -Lior Phillips

66. Reservoarhunder (1992)

Quentin Tarantinos Reservoarhunder snudde krimthrillersjangeren på hodet på så mange måter: den ekstreme volden, den ikke-lineære historiefortellingen, besettelsen av popkulturen. Ikke fullt så raskt å få oppmerksomhet var imidlertid den unge regissørens uvanlige bruk av musikk – i dette tilfellet Super Sounds of the '70s Weekend som spunnet av monotone radiovert K-Billy. Det er ikke bare det at Tarantino velger gamle 70-tallssanger til en 90-talls krimfilm, men at han legger dem inn i filmen via et radioprogram. Gjennom K-Billy får vi en følelse av verden som disse mennene lever på kantene av, vi ser den berømte åpningstittelen til Little Green Bag, og i en av de mest sadistiske scenene i moderne kino, Stuck in the Middle med You soundtracks Mr. Blonde torturerer en mamma politibetjent. Hat ham eller elsk ham, Tarantinos blanding av popkultur, i dette tilfellet golden oldies, og vold forblir en unik estetikk. –Matt Melis

65. Empire Records (nitten nitti fem)

En kultfilm satt i en platebutikk som kjemper for sin uavhengighet i møte med inngripende rekk-fremkallende pop, Empire Records stoler sterkt på lydsporet for å etablere troverdigheten. Hvis sangene på plata ikke var kule nok, ville produksjonsteamet sett ut som en hel haug med Rex Mannings som prøver å trå til på ungdomsmarkedet. Den 90-tallssmakende gjengen med Better Than Ezra, the Cranberries, Toad the Wet Sprocket og Cracker betyr absolutt det kule i et spesifikt øyeblikk, mens da usignerte handlinger som The Martinis, Please og Coyote Shivers gir litt indiekul. Og, som kirsebær på toppen av Empire Records sundae, Liv Tyler synger backupvokal på Lemonheads frontmann Evan Dandos cover av Big Stars The Ballad of El Goodo, som nå ser ut som nostalgi blir helt nostalgisk. Å være besatt av nåtiden, prøve å avkjøle hverandre og finne skjulte perler fra fortiden virker ganske passende for en gjeng med barn som jobber i en platebutikk, enten det var på 70-, 90- eller i dag. -Lior Phillips

64. Menace II Society (1993)

Gangsta-rap ble en av de mest misforståtte og utskjelte kulturelle bevegelsene på 90-tallet, om ikke kanskje den aller mest. The Hughes Brothers' film føles nesten reaktiv overfor den hvite forstadsfrykten for tiden på en rekke måter, og maler et autentisk portrett av indre bykonflikter, liv og død som på en gang krever empati og også krever mangelen på nødvendigheten av utenforstående kan forstå. Filmens klipp-på-klipp-lydspor fungerer gjennom tidens grove, aggressive lyder, og det inkluderer ikke engang filmens bruk av Ice Cube, N.W.A, og en rekke andre artister som ikke er inkludert på albumet. Mesteparten av lydsporet som det står er oversvømmet av datidens vestkystlyd, alt avslappet produksjon som ryggraden i så mange voldshistorier. Det er et stemningsstykke, og perfekt synkronisert med filmen den er satt til. –Dominick Suzanne-Mayer

63. Forrest Gump (1994)

Selv om selvfølgelig Tom Hanks er den absolutte kjernen i enhver film han spiller i, så mye av de tunge løftene i Forrest Gump gjøres av lydsporet. Filmen finner Hanks' Gump som lever livet på en eller annen måte i sentrum av amerikansk historie, fra Hound Dog tidlige dager til Jefferson Airplane psykedeliske Vietnam-protesten til Motown og blåøyd sjel. Ved å ha lisensiert nok musikk til å lage et 34-sangers lydspor, var regissør Robert Zemeckis i stand til fullt ut å jorde den lunefulle historien og gåtefulle karakteren i et øyeblikk som alle kan koble seg til og finne seg selv i. Som et lydspor i seg selv er det ingenting tankevekkende (å lytte til dobbeltplate-saken er ikke langt fra oldies radiostasjon), men det fungerer perfekt som et uanstrengt fortellende verktøy. —Adam Kivel

62. Royal Tenenbaums (2001)

Lydsporet til hver Wes Anderson-film går på stram linje mellom ultraikoniske øyeblikk og en konsistent tonal gjennomgang. For å oppnå den følelsesmessige dybden, vender Anderson ofte tilbake til 60-tallet og hans langvarige partnerskap med Mark Mothersbaugh. Royal Tenenbaums finner den balansen på en mesterlig måte, og tilpasser hans fortidstilbøyde musikalske tendenser inn i fortellingens fokus på generasjonene til en familie som er fanget i kampene fra fortiden deres. Den forbudte kjærligheten til adopterte søsken Margot og Richie utspiller seg i hele filmen i et par Nico-sanger: den sykliske smerten i Disse dager og potensialet for en ny dag i Årstidenes vakreste. Richies selvmordsforsøk sammen med en sang fra Elliott Smith - som tok sitt eget liv ikke lenge senere - fordobler tragedien. -Lior Phillips

61. 24 timers festfolk (2002)

Selvfølgelig kommer et lydspor til en film om et innflytelsesrikt indiemerke å bli bra, men det som gjør denne virkelig betydningsfull er hvor lojal den dekker scenen rundt. Ja, Joy Division, New Order og andre Factory-talenter dominerer lydsporet, men det setter også søkelyset på andre Manchester-aktører, fra A Boy Called Gerald til 808 State, så vel som utenlandske pionerer som bidro til Madchester-svulsten. Lydsporets beste kvalitet er imidlertid å vise frem punkens begynnende rolle i opprinnelsen til acid house, og bidrar til å bygge bro mellom disse to vilt forskjellige lydene. –Doug Nunnally

60. Varme (nitten nitti fem)

Akkurat som Cameron Crowe, pleier Michael Mann å scrapbooke lydsporene sine. Med noen få unntak er filmene hans tradisjonelt scoret av et trykkende lydbilde av utrolig mangfoldige artister, alt fra komponister til produsenter til band. Hans magnum opus fra 1995, Varme , er som en superslank, stålbelagt tidskapsel fra epoken, som putrer med utallige lyder fra banebrytende masterminds som Elliot Goldenthal, The Kronos Quartet, Brian Eno, Lisa Gerrard og Moby. Vår favoritt veganske DJ leverer den siste emosjonelle punchen med God Moving Over the Face of the Waters, uten tvil den mest elegante instrumentalkomposisjonen fra 90-tallet. Det kan imidlertid ikke sies nok hvor avgjørende Terje Rypdals seks-strengs angst er for historien om Robert De Niros McCauley, hans grublende komposisjoner – spesielt Mystery Man – går ned som Jameson on the rocks. –Michael Roffman

59. Han fikk Spill (1998)

Sist gang Spike Lee plaget Public Enemy for en hymne – helt tilbake på slutten av 80-tallet for Gjør det rette – Chuck D og mannskapet leverte Fight the Power, uten tvil den beste hiphop-sangen som noen gang har blitt lagt til. Det er nok å si at Lee visste hvor han skulle henvende seg da han var på jakt etter mer magi Han fikk Spill , hans berømte felles om en høyt rekruttert basketballspiller på videregående skole og hans fengslede far. Ikke bare slipper Public Enemy uten tvil deres beste album siden Frykt for en svart planet å bære belastningen med komponisten Aaron Coplands orkesterstykker, men de bygger også filmens tema rundt en av de mer inspirerte prøvene fra karrieren deres, For What It’s Worth. Jaaaa Boyeeee. –Matt Melis

58. Waynes verden (1992)

Å gjøre en åtte minutter lang gjentakende sketsj til en 90-minutters teaterfilm er ingen enkel oppgave. Og når filmen din har Wayne Campbell og Garth Algar i hovedrollene – medverter for det sent på kvelden, musikkbaserte Aurora kabeltilgangsprogrammet Waynes verden — det lydsporet hadde bedre klage. Du kan ikke bare kaste på et dusin låter av The Shitty Beatles og kalle det en dag, Chet. Ingen bekymringer der, skjønt, min venn. Lydsporet klatret helt opp til nr. 1, og mye av det hadde å gjøre med bindinger til noen av filmens mest minneverdige scener: i tillegg til Crucial Taunt-opptredenene, var det klassiske øyeblikk som headbanging i Mirth Mobile til Bohemian Rhapsody, Wayne fantaserer over Cassandra (schwing) med Dream Weaver-briller, og kanskje best av alt, Garth som prater med en foxy dame hos Stan Mikita med Jimi Hendrix som en liten wingman. Har noen annen film skapt flere uutslettelige vitser rundt klassiske rockestifter enn Waynes verden ? I så fall, la den stige og bli regnet verdig. –Matt Melis

57. Jomfru selvmord (1998)

Sofia Coppola beviste tidlig at hun ikke var fremmed for kraften i lydsporet. Hennes 1999-tilpasning av Jeffrey Eugenides’ bestselgende roman, The Virgin Selvmord , rullet gjennom med et par bellbottoms og en kurv med låter som ikke bare var groovy, men direkte kule. I tillegg til å trykke på det franske antrekket Air for å score bildet, satte Coppola sammen en blendende blanding av epokespesifikke stunnere, som alle er perfekte for solfylte ettermiddager utenfor et voldelig forstadshjem. Mellom The Hollies og Todd Rundgren, Al Green og ELO er det nok 70-tallspoesi her til å etse på fire dusin skolepulter i tre. Bemerkelsesverdig nok, mer moderne billettpris fra Air og Sloan smelter lett inn – som Marty McFly. –Michael Roffman

56. Juice (1992)

Mens filmer som Over kanten trivdes med Tupac Shakurs inkludering på lydsporet like mye som hans hovedrolle, lydsporet til Juice spenning til tross for at legenden ikke er inkludert. Men når du har en lineup med Eric B. & Rakim, Big Daddy Kane, Too Short og flere, kan du slippe unna med å bare la Tupac opptre som ansiktet til krimdramaet ditt. Soundtracket inneholdt toppsingler fra Naughty by Nature, Teddy Riley & Tammy Lucas og Aaron Hall - for ikke å nevne hotte navn som Salt-n-Pepa, EPMD og Cypress Hill. Den mangeårige kinematografen til Spike Lee, Ernest Dickersons regidebut følger kampene til fire unge svarte menn i Harlem, gjengvold som på tragisk vis river dem fra hverandre. Lydsporet følger deres vekst og ødeleggelsenes nyanser, og gir en umåtelig kraftig følelse av sted mens spenningen ruller på lavt kokepunkt i gryten av tidlig 90-talls New York. —Adam Kivel

55. Uvitende (nitten nitti fem)

Hvordan har en film om privilegert ungdom i Beverly Hills beholdt sin appell over to tiår

Nå har vi allerede nevnt Cameron Crowe og hvordan han er et vidunderbarn når det kommer til kunsten til lydsporet. Vel, hans store debut kom helt tilbake i 1982 med Amy Heckerlings tilpasning av boken hans, Raske tider på Ridgemont High . Mens selve lydsporet mangler de fleste av filmens mest ikoniske spor - Tom Petty, Go-Gos, The Cars og Led Zeppelin - var fyren så god i jobben sin at du nesten ikke legger merke til det. Hvordan kunne du når du flytter fra Jackson Browne (Somebody's Baby) til The Ravyns (Raised on the Radio) til Stevie Nicks (Sleeping Angel) til Oingo Boingo (Goodbye, Goodbye). Det er en samling som taler til den forbigående naturen til den epoken, spesielt skiftet fra 70-tallets rock til 80-tallets new wave. På grunn av dette får musikken en personlighet som er i tråd med filmens falske galleri av slackere og surfere. Greit, Cameron! –Michael Roffman

53. Risikabel virksomhet (1983)

Joel, som mange unge menn fra velstående familier, har hele livet sitt kartlagt for ham av foreldrene. Så når de drar på en kort tur, ser han endelig en sjanse til å si hva faen og løsne litt. Til slutt bytter han inn sine Tangerine Dream-drevne våte drømmer, og i et av filmens mest gjenkjennelige øyeblikk danser han i undertøyet til Bob Seger for noe litt mer risikabelt. Nemlig joyrides til Jeff Beck i pappas Porsche og et varmt-kaldt/forretnings-fornøyelsesforhold med en prostituert som vil elske på et L Train når som helst hun hører Phil Collins’ In the Air Tonight. Hvorfor var ikke videregående skole slik for oss

Når vi snakker om rap-lyder som definerer et tiår, Boyz n the Hood introduserte den slags ærlige visjonen om et annet Amerika som ville skape utallige samtidige og imitatorer i tiåret som fulgte. Som sådan skylder de mange andre rap-drevne lydsporene på denne listen en viss gjeld til utbruddssuksessen til lydsporet til John Singletons film. Med en blanding av prøvevennlig R&B og hip-hop fra 2 Live Crew, Hi-Five og Ice Cube i et spor knyttet til hans stjerneskapende opptreden, hette lydsporet er på alle måter et produkt, og innovatør, av sin tid. –Dominick Suzanne-Mayer

51. Goodfellas (1990)

Musikk er iboende i alle Martin Scorceses filmer, og Goodfellas er intet unntak. For hans mob-mesterverk fra 1990 skrev ol 'Marty og medforfatter Nicholas Pileggi en rekke av sangene inn i manuset hans, og filmet til og med visse scener med den respektive sangen som spilles på settet (se: hele montasjen satt til Layla). Så oddsen er at hvis du lytter til et spor utenfor lydsporet, kan du stort sett huske hva som skjedde på skjermen. For noen tar det strenge samspillet mellom lyd og skjerm ofte vekk fra den generelle lytteopplevelsen, men kom igjen, det er vanskelig å trekke på skuldrene fra dette mannskapet: Tony Bennett, Aretha Franklin, Cream, Muddy Waters, Bobby Darin og The Shangri- Las. For å parafrasere Stacks Edwards, dette lydsporet er bedre enn sex, baby. –Michael Roffman

femti. Stå ved meg (1986)

Rob Reiners tilpasning av Stephen Kings lange novelle The Body – bedre kjent for millioner fra flere generasjoner som Stå ved meg – kan være den største voksenfilmen noensinne. I en alder hvor gutter knapt kan pisse rett, opplever fire venner at avgjørelsene de tar nå og vennskapene de beholder veldig godt, kan forandre livet deres for alltid. Sentralt i de vennskapene er selvfølgelig sanger guttene hører på radio og synger sammen. Sånn sett peker ikke lydsporet så mye på et bestemt tidspunkt som det fanger en tid i livet når gutter tilbringer sommerdagene sine på å henge ut, tøffe, ribbe hverandre og synge sanger. Så selvfølgelig, selv om det er åpenbart, ruller Ben E. Kings uutslettelige soulklassiker over slutttekstene, og minner seerne om at båndene vi deler, selv de vi knytter før vi er gamle nok til å barbere seg, kan utgjøre hele forskjellen i våre liv. –Matt Melis

49. Batman (1989)

Det var nok av musikere som kunne ha matchet den maniske energien til Jack Nicholsons Joker i sang, men få kunne pliktoppfyllende utforsket den manien med likevekten og løftet til Prince. Med Batdance bringer Prince deg inn i Jokers usammenhengende og hysteriske sinn, mens andre sanger får det tilfeldige kaoset hans til å føles spennende og underholdende, noe som bidrar til å gjøre dette til den beste versjonen av den ikoniske skurken på nesten 20 år. Prince hjalp også Batman med å komme til live, ved å lette overgangen fra trykk til film og gi den vigilante fargen og dybden i Tim Burtons mørke, mørke verden. –Doug Nunnally

48. Den store Lebowski (1998)

For mange på min alder bandt Coen-brødrenes nå klassiske kidnappingskaper/bowling-epos 90-tallet sammen. Og lydsporet gjorde det samme for filmen. The Coens tildelte musikalske signaler til alle partene som var uenige om forsvinningen av Bunny Lebowski (f.eks. The Dudes tema er ofte CCR), og superprodusenten T Bone Burnett sikret seg rettighetene til mange av sangene som gir filmen dens unike neonbowling -alley-from-Mars-estetikk: Bob Dylans The Man in Me, Townes Van Zandts Dead Flowers og The Gipsy Kings' opptak av Hotel California. Og, selvfølgelig, ingen steder får vi se den karakteristiske Coen-stilen dukke opp bedre enn under fyrens pornografiske bowlingdrøm, musikk og tilstand med tillatelse av Mr. Kenny Rogers. Ja, ja, wooahh, ja. –Matt Melis

47. Mage (1998)

Etter å ha regissert noen av de største hiphop-musikkvideoene fra midten til slutten av 90-tallet, fikk Hype Williams muligheten til å regissere en film gjennom Def Jams produksjon fra 1998, Mage . Og selv om den ikke akkurat fikk strålende anmeldelser, gjør neo-noir-retningen kjøretøyet med Nas og DMX til en interessant klokke – men egentlig er det stjernespekkede lydsporet grunnen til å holde seg til. Jay-Z, Wu-Tang-klanen og D’Angelo bidrar alle, det samme gjør filmens stjerner i Grand Finale, et spesielt vinnende spor med Method Man og Ja Rule. Den grove, mørke produksjonen passer til gjengvolden, hver av de mange stjernene støtter laget sitt og kjemper for dominans i en verden full av narkotika og våpen. —Adam Kivel

46. Tapt motorvei (1997)

Selv før han ga ut sine egne album og kuraterte sin egen festival, var ikke David Lynch fremmed for kraften til en god sang. Tapt motorvei er et fascinerende skjæringspunkt mellom Hollywood noir, industriell støy, lounge og jazz – å finne det skyggefulle hjørnet i hver, omtrent som filmens Los Angeles på 90-tallet legemliggjør de mørkeste hjørnene av sinnet til innbyggerne. David Bowies I'm Deranged i åpnings- og avslutningsteksten gir filmen en desorienterende innpakket struktur, den insisterende elektronikken spiller mørkt over hektiske, uopphørlige opptak av senterlinjen på en motorvei kun opplyst av frontlykter. De paranoiske tekstene (I'm deranged/ Down, down, down) introduserer Lynchs sotete, mystiske verden – og forblir dessverre til den bitre slutten, og avslutter den ekstreme jazzen til hovedpersonen Fred Madison (Bill Pullman), Angelo Badalamentis klassiske partitur, og de slipende låtene til Marilyn Manson, Rammstein og Trent Reznor. —Adam Kivel

Fire fem. Tapt i oversettelsen (2002)

Å føle seg tapt er avgjørende for å lykkes Tapt i oversettelsen , og Sofia Coppola er et geni til å finne måter å vise dette frem gjennom dialog og setting, som begge er dristig forsterket gjennom den nøye utvalgte musikken. Ved å bagatellisere de overfladiske samtalene eller få Tokyo-gatene til å glitre enda lysere, er musikken der for å øke skillet karakterene føler. Musikken i seg selv kan fremkalle den samme følelsen, med Airs pulserende melankoli som gjør det vanskelig å veve seg gjennom den tåkelige disen til My Bloody Valentine, og lar lytteren selv gå seg vill også. –Doug Nunnally

44. Dirty Dancing (1987)

Dirty Dancing kunne ha hvilt utelukkende på da-samtidige sanger og fortsatt levert et fantastisk lydspor for å styrke historien om det blir gammel. Ved å bruke doo-wop-giganter, R&B-legender og rockepionerer fanget den den ekspansive veksten av populærmusikk, og brukte dem til å score overfylte danser og intime øvelser. Men Dirty Dancing går et skritt videre, og inkluderer moderne musikk som er like integrert i filmens grunnlag som selve de klassiske sangene, og det er den inkluderingen som driver dette lydsporet fra ganske bra til direkte fantastisk. Til syvende og sist er det den moderne og klassiske blandingen som hjelper til med å slå inn denne klassiske filmens tidløse og varige appell. –Doug Nunnally

43. Good Will Hunting (1997)

Weepy er ett ord for å beskrive lydsporet til Gus Van Sant's Good Will Hunting . Fullt av tårevåte jams av avdøde Elliott Smith, høres det dystre lydsporet ut som om noen har tappet all melankolien fra høsten og satt den på en enkelt plate. Sanger som Angeles, No Name #3, Say Yes og Between the Bars tilbyr en genial destillasjon av den store barden, men så kommer du til det Oscar-nominerte originalsporet hans Miss Misery og skjønner hvorfor verden liksom stoppet da han gikk bort i 2003. Det er en sang som er like gripende og nydelig som alt annet Gummi sjel , og når du kobler den sammen med filmen, tar den dramaet til et helt annet nivå. Kast inn passende utvalg av The Waterboys, Luscious Jackson, The Dandy Warhols, Al Green, og biter av partiture av Danny Elfman, som var på topp rundt denne tiden, og vel, hva med dem epler. –Michael Roffman

42. The Shining (1980)

For ikke så lenge siden rangerte vi Stanley Kubricks The Shining somtidenes nest skumleste film. Men her er tingen, minst 65% av den avgjørelsen kom ned til lydsporet alene. For uten den ville filmen bare ikke vært så psykologisk skurrende og nervepirrende. Jada, Jack Nicholsons opptreden er skremmende og disse tvillingene vil for alltid hjemsøke drømmene våre, men det er måten Kubrick og musikkredaktør Gordon Stainforth vever inn i denne støyteppet som gjør det hele så ute av denne verden. Lik 2001: en romodyssé , hele lydsporet er denne eksentriske samlingen av modernistisk kunstmusikk, hvorav de fleste var gjengangere fra Kubrick - folk som György Ligeti, Wendy Carlos og Krzysztof Penderecki. Til og med tatt ut av kontekst er musikken kjølig, og høres ut som om den kom fra innvollene i en hule som ingen noen gang burde gå og tulle i. –Michael Roffman

41. 8 mil (2002)

Ja, de fleste husker det 8 mil lydspor av en veldig spesifikk grunn: Lose Yourself, sangen som ikke bare vant Marshall Mathers en Oscar-pris, men som ble en av de største rap-hitsene i den tidlige aughts-æraen. Og selv om det nesten helt sikkert er det fremtredende sporet på albumet, fungerer filmens lydspor som et vindu inn i det som var varmt på den tiden. I dette tilfellet er det nemlig hvem som helst som Eminem sa var hot. Obie Trice, D12 og 50 Cent får alle god tid til å fremheve Shady Records imprimatur, mens Rakim og Nas kommer utenfra for å legge til filmens verden. Både filmen og lydsporet er sannsynligvis enda bedre enn du husker, og det er en artefakt fra en tid da Eminem virkelig drev rapspillet. –Dominick Suzanne-Mayer

40. Menneskejeger (1986)

Med Miami Vice i bakspeilet sitt brakte Michael Mann alle sine postmoderne oppblomstringer og nybølgelyder til sin 1986-tilpasning av Thomas Harris’ kaldblodige thriller, rød drage . Til og med i dag, Menneskejeger er et svimlende skue, fra det perfekte opptaksutvalget til den meditative fargepaletten til det humørfylte utvalget av 80-tallslyder uten et spor til overs. Innimellom de dampende new age-instrumentalene til Shriekback og The Reds er undervurderte popperler som The Prime Movers’ blåmerker Strong As I Am og Red 7s salig 80-talls Heartbeat. Selvfølgelig treffer ingenting hardere enn Michel Rubinis Graham's Theme, nok et subtilt nikk av Mann til Pink Floyds Comfortably Numb (se: Craig Safran's Confrontation for Tyv ). Sukk, antall netter denne forfatteren har brukt på å stirre ut i leiligheten i Chicago og lytte til denne sangen er ... pinlig. –Michael Roffman

39. Fotløs (1984)

Lydsporet til Kevin Bacons opus fra 1984 om å destabilisere småbyverdier gjennom kraften til rasende, ofte skandaløs dans, oppmuntret oss alle til å sparke av oss søndagsskoene, litt mot Gud hvis de noen gang var en. Likevel var Kenny Loggins' kvasi-sataniske følelser neppe det eneste kildematerialet for hits Fotløs lydsporet er i flukt med dem. Deniece Williams oppmuntret Reagan 80-tallet til å høre det for gutten ved siden av henne, Bonnie Tyler holdt ut for en helt, og for helvete, Footloose var ikke engang den eneste hit Loggins-singelen på albumet. Kom nå. Alle kuttet løs. –Dominick Suzanne-Mayer

38. Venter på å puste ut (nitten nitti fem)

Venter på å puste ut var ikke bare en kjempehit av et lydspor. Det var et av de største albumene i 1995, periode . Babyfaces arbeid med Exhale (Shoop Shoop) og albumets legion av andre hits ble nominert til en Grammy for årets album, nesten uhørt for en samling. Men det er hvor flott, og hvor varig kraftig, filmens lydspor var. Med den ene ærlig-til-Gud-hymnen etter den neste, den Puste ut lydsporet overskred mediet for lydspor på en rekke måter. Det ble et viktig øyeblikk i kulturen, en bekreftelse for kvinner på deres menneskelighet, deres makt og deres styrke. Det er den sjeldne klassikeren som ikke bare er en klassiker på grunn av filmen den er festet til, men en klassiker helt alene. –Dominick Suzanne-Mayer

37. Donnie Darko (2001)

Å bygge den overnaturlige melankolien til Donnie Darko gjennom sang er ingen enkel oppgave, selv når de er bevæpnet med gotiske klassikere som Echo og the Bunnymen's The Killing Moon. Men Richard Kellys debut skyter etter stjernene, eller mer passende svart hull, og lander ganske nærme takket være grublende 80-tallssanger og slående instrumentaler. Selvfølgelig er det ingenting som selger historiens forestående undergang som den uhyggelig vakre versjonen av Mad World som gjorde Gary Jules og Michael Andrews umiddelbare tilføyelser til enhver respektabel coverspilleliste. Når man ser filmens håpløse dysterhet, forblir dens inkludering i avslutningsscenen filmens mest minneverdige øyeblikk. –Doug Nunnally

36. Bryllupssangeren (1998)

Adam Sandlers 80-tallssending får mye mer respekt i disse dager enn den gjorde da den først kom på kino på slutten av 90-tallet. Det to-volums lydsporet gjør det også, og begge fortjener ros. Det er én ting å laste opp et lydspor med 80-tallssanger vi aldri vil glemme (selv om vi vil), men Sandler og teamet lisensierte ikke bare en haug med sanger for å transportere oss tilbake til den tiden. De var på utkikk etter musikk de kunne spinne inn i komedie, derfor er sanger inkludert for å sette opp periodegags, foreskygge cameoer, og selvfølgelig være morsomme når Sandler og bandet drar dem ut i bryllup eller en og annen bat mitzvah. Filmen ber deg komme for musikken og bli for vitsene musikken inspirerer til. Helvete, 20 år senere mister jeg det fortsatt hver gang George bryter seg inn i Culture Clubs Do You Really Want to Hurt Me for andre gang på rad. De begynner å slå på George der inne! –Matt Melis

35. The Life Aquatic med Steve Zissou (2004)

Mens Wes Anderson-lydsporene vanligvis nyter nostalgi, gjør de det med smarte intensjoner. Til The Life Aquatic , bruker han alle de riktige klassiske snittene for å trekke i hjertestrengene: Iggy and the Stooges' Search and Destroy for adrenalinfylt action, The Zombies' The Way I Feel Inside for sorg, og Gut Feeling fra Devo (via, selvfølgelig, hyppige Anderson-samarbeidspartner Mark Mothersbaugh) for jaktens hete. Men han parer det delvis gjennom øyet til outsideren: Seu Jorge som besetningsmedlem Pelé dos Santos, vandrer på kortstokken med en gitar og synger portugisiske Bowie-covers. Og når mannskapet på Belafonte endelig finner den ukjente skapningen de hadde jaktet på i det dypeste hav, er den surrealistiske, ekstreme, nesten fremmede skjønnheten til Sigur Rós' Starálfur den perfekte matchen, en tur inn i en mystisk gave ute av nostalgien. -Lior Phillips

3. 4. Eventyrland (2008)

En film som for eksempel Singler brukte musikkscenen i Seattle på den tiden for å fange noe om forhold på begynnelsen av 90-tallet. Eventyrland , derimot, tar utfordringen med å si noe tidløst om ung kjærlighet, delvis ved å låne musikken fra en annen tid. Den iboende risikoen kommer selvfølgelig ned til å fylle opp et lydspor med elskede sanger fra tiden (for det meste 80-tallet i dette tilfellet) som passet tiden, men ikke filmen. Heldigvis unngår regissør Greg Motolla fellen og fanger noen nydelige øyeblikk: James og Em kjører støtfangerbiler til The Cure's Just Like Heaven, rømmer en tøff natt til Lou Reeds Pale Blue Eyes, og James gjennomvåt og venter på Em på Manhatten som Mats. 'Ufornøyd løser seg opp. Det handler ikke om å være nostalgisk for tiden i filmen. Disse øyeblikkene gjør deg nostalgisk for den tiden i livet ditt – når det måtte ha vært. –Matt Melis

33. Kråken (1994)

Hvis du vokste opp på 90-tallet, er sjansen stor for at det finnes en kopi av Kråken lydspor som sitter i skapet ditt et sted. Alle eide denne jævla greia, om ikke for det faktum at de hadde en kortvarig goth-fase, så for den enkle nyheten å ville høre noe av tidens mest populære alternative rock. Men, til alles ære, var lydsporet veldig bra, og vet du hva, det er fortsatt ganske jævla flott. The Cure's Kråke -debted Burn er fortsatt en av Robert Smiths mest undervurderte hymner, Nine Inch Nails forbedrer på en eller annen måte Joy Divisions Dead Souls, Snakedriver er som topp JAMC, og Violent Femmes har aldri hørt mer nedslått enn på Color Me Once. Andre steder får du en FM-hit fra Stone Temple Pilots og en utvalgt B-side fra Rage Against the Machine. Helvete, hvis dette var en festivaloppstilling, ville du børste støv av skinnet ditt. –Michael Roffman

32. Jackie Brown (1997)

Med to berømte filmer under det tynne slipset visste Quentin Tarantino-fansen at favorittregissørens musikalske valg var alt annet enn vilkårlige. Til Jackie Brown , hans hyllest til blaxploitation-filmer fra 70-tallet (som inkluderte en start på Pam Griers karriere), vendte Tarantino seg til de samme filmene for inspirasjon, og lånte sanger fra dem og til og med partituret fra filmen coffy . Som et resultat har filmen en umiskjennelig musikalsk samhørighet og autentisitet når Jackie river seg gjennom flyplassen til Bobby Womacks Across 110th Street, Ordell ringer opp The Brothers Johnsons Strawberry Letter 23 før han tar ut søpla, og mest minneverdig begynner Max å falle for Jackie over Didn't I (Blow Your Mind This Time) av The Delfonics. Tarantinos kjærlighet til både forsømte filmsjangre og musikk kommer sammen her for å blåse våre sinn totalt. –Matt Melis

31. High Fidelity (2000)

Bare ved å se over låtlisten, kan du fortelle regissør Stephen Frears slitt utrettelig over lydsporet til denne filmen om obsessive musikkfans, kanskje til og med mer enn Rob Gordon sliter med sine egne personlige rangeringer. Men det harde arbeidet lønner seg, med sanger fra hele det musikalske spekteret som holder filmen tro mot ånden til Nick Hornbys karakterer og viser frem rekkevidden til en ekte musikkfanatiker, som beviser at de er like komfortable med plater av Smog og Stereolab ettersom de er sanger av Bob Dylan og The Kinks. Ikke hits skjønt, på ekte snobbete vis. –Doug Nunnally

30. The Big Chill (1983)

Si hva du vil om filmen - Den er lam! Det er babyboomer-nostalgi! Det er faktisk ganske sexistisk! - men lydsporet til Lawrence Kasdans The Big Chill er en diamant. Faktisk er det en stor gammel del av platina, en som har blitt sertifisert 6 ganger i løpet av årene, nemlig fordi den er overfylt med tidløse hits som dukker opp på bokstavelig talt hver bryllupsspilleliste. Seriøst, du trenger ikke å se Tom Berenger knulle opp beinet mens han prøver å hoppe inn i en cabriolet eller sitte gjennom Glenn Closes dusjtårer for å vite at et album fylt med go-to-låtene til alle kjente Motown-artister fra 60-tallet og 70-tallet kommer til å høres bra ut. Det er det dette lydsporet er – en tids største hits – og selv om vi vil si at vi aldri ville gi videre å se Jeff Goldblum skummelt prøve å ha sex med hvem han kan … vil vi mye heller sette dette på og hoppe over maudlin-dramaet. Fun fact: Kevin Costner er faktisk inne i spor 10. –Michael Roffman

29. Galaksens voktere (2014)

Selv om lydsporet inneholder noen overraskelser, var mange allerede stiften i andre filmer. Men det er ikke poenget. Filmen prøver ikke å kapre noen av disse sangene (bortsett fra Redbone). I stedet bruker den musikken til å vise frem ånden i historien. Visst, sangvalgene gir ikke alltid mening - men Voktere ikke heller. Det er en blanding av superhelter som definitivt ikke hører sammen, og det samme kan sies om musikken som på uforklarlig vis inkluderer The Jackson 5, The Runaways og 10cc. Ikke prøv å gi mening ut av det. Bare mist deg selv i dens klassiske glede. –Doug Nunnally

28. Nesten berømt (2000)

Nesten berømt er ærlig i sin fremstilling av rocken slik den var. Scenen var en drøm som sakte forsvant inn i eteren, og selv om musikerne ikke kunne se den, kunne den idealistiske William Miller, selv om han aldri lot den bryte sin storøyde fascinasjon. Sangene Cameron Crowe valgte her reflekterer denne reisen, fra bruken av en kontemplativ instrumental av The Who til en gripende introspeksjon av Cat Stevens. Selvfølgelig, Nesten berømt ånd og tema føles best representert i Tiny Dancer, og gir historien en sårt tiltrengt utgivelse, lydsporet et solid anker og fansen en uforglemmelig scene. –Doug Nunnally

27. Boogie Nights (1997)

Ting blir mørkt i Paul Thomas Andersons Boogie Nights . Veldig mørk. Likevel er det en film du ikke akkurat vil forlate, om ikke annet fordi det er en livlig verden fylt med så mange livlige karakterer. Likevel er en del av appellen at det for et stort flertall av filmen er en lang 70-tallsfest som begynner ved daggry og slutter med skudd. For å fremmane den vintage-magien, støttet Anderson seg tungt på et lydspor som er like inspirert som hans rollebesetning, og svirret fra en disco-groove til den neste sjelfulle ballade. Faktisk er det så mye musikk i filmen at de måtte slippe to bind, og du kan ikke gå galt med noen av dem. Den første får majors ut av veien (Marvin Gaye, The Beach Boys), mens den andre skjærer til kjernen (Elvin Bishop, Hot Chocolate). Sammen fanger de historiens oppturer og nedturer, alt uten å gå glipp av et eneste slag. Fest med det. –Michael Roffman

26. Inn i naturen (2007)

Trykker Eddie Vedder for å gjøre musikken til Inn i naturen var et smart trekk på Sean Penns vegne. Fyren har en tilknytning til naturen som har gjennomsyret Pearl Jams musikk helt fra begynnelsen. Så det var ingen overraskelse at de medfølgende melodiene til Penns tilpasning av Jon Krakauers roman med samme navn ville koble seg til historien om avdøde Christopher McCandless på måter som ikke engang Emile Hirsch kunne drømme om. Sanger som No Ceiling, Society og Golden Globe-vinnende Guaranteed kanaliserer majesteten i vår store verden og dens upretensiøse kraft innenfor, og finner Vedder på sitt mest opprinnelige. I dag fortsetter sangene å dukke opp fra tid til annen i Pearl Jams setlister, ytterligere bevis på dens varige natur. –Michael Roffman

25. Blå fløyel (1986)

Selv om det er hans fjerde innslag, Blå fløyel føles ofte som David Lynchs debut. Det satte scenen for alt som skulle følge av forfatteren: hans drømmende meditasjoner på godt vs. ondskap, hans guddommelige beundring for 50-talls estetikk, og hans forbannet fine arbeid med komponisten Angelo Badalamenti og sangeren Julee Cruise. Sistnevnte førte til en av hans største Lynchian-konstruksjoner, et partitur som feirer Shostakovichs 15. symfoni, samtidig som han hyller gammeldags pop, hva med inkluderinger av Roy Orbison, Bill Doggett og Ketty Lester. Men så er det Mysteries of Love, Cruises skyhøye moderne ballade, som sender alt inn i denne klare tilstanden. Det er ideen, selv om den lille fisken som Lynch fanget for mange år siden, den lille fisken som fortsetter å svømme. –Michael Roffman

24. Kjøre (2010)

Kjøre gjorde ikke kjente navn ut av artister som Riz Ortolani og Cliff Martinez, men det var aldri intensjonen. Musikken som gir lydspor til denne grove og sparsomme historien er ikke der for å skille seg ut, den er der for å hjelpe deg med å fordype deg inn i driverens verden, der hvert ord er nøye valgt og hver bevegelse er strategisk planlagt. Selv sangene som kan stå alene, spesielt A Real Hero av College, føles ufullstendige når de sees utenfor kontekst. Akkurat som Driver, må du ha de organiske synth-melodiene som lyser opp den mørke veien han reiser. –Doug Nunnally

23. Pulp Fiction (1994)

Quentin Tarantino har alltid vært en popkultur-junkie med en forståelse for fortiden. Som et resultat av dette gjør nesten alle filmene hans to ting: gi en avtagende skuespiller en sjanse til å gjenvinne sansen og gjenbruke eldre sanger som mange kanskje har glemt eller ikke hørt på flere år. I Pulp Fiction , gir kassegravingen hans nå klassiske filmiske sammenkoblinger av Vincent og Mia som vrir seg til Chuck Berrys You Never Can Tell på Jack Rabbit Slim's og Mia overdoserer senere mens de rocker ut til Urge Overkills strålende cover av Neil Diamond's Girl, You'll Be a Woman Soon . Men ingenting topper Tarantinos gjenoppliving av surfegitarkongen Dick Dales 1962-utgave av Miserlou. Mens de ropende, fingerflammende, sotete instrumentalspillene på toppen av filmens åpningstekster, vet publikum allerede at de er inne for en mobbfilm ulik alle andre. Det er bedre enn å pudre nesen. –Matt Melis

22. Easy Rider (1969)

Det var mange gode lydspor før Easy Rider kom ut i 1969, men ingen endret måten folk så på musikk i filmer som liker den. Det var ikke det at filmen skrøt av sanger fra Dylan, Hendrix, The Band, The Byrds og Steppenwolf – et moderne ensemble som fortsatt er et av de absolutt beste – det var at sangene alle bidro til å fremme historien, og avslørte både plagene og motkulturens gleder. Mens filmer i dag kan prøve å gjenskape rockemusikkens ånd eller sangene de velger, Easy Rider var den ånden på sitt absolutte høydepunkt. –Doug Nunnally

tjueen. En Clockwork Orange (1971)

Et kritisk narrativt element av En Clockwork Orange er kondisjoneringen av filmens hovedperson mot selve musikken som brukes i lydsporet. I Stanley Kubricks adaptasjon av Anthony Burgess’ roman blir den ultravoldelige voldtektsmannen Alex DeLarge behandlet med intens, kontroversiell psykologisk kondisjon, tvunget til å se endeløse scener med vold og sex mens han lytter til favorittkomponisten hans, Beethoven. Fra det tidspunktet er ethvert hint av den musikken knyttet til smerte og lidelse, noe som gjør ham fysisk syk. For å fremkalle den samme følelsen hos seerne, spretter Kubrick mellom utdrag av den niende symfonien og forvrengte, vokodede omarrangeringer av elektronisk pioner Wendy Carlos, så vel som flere av Carlos egne komposisjoner. Den elektroniske musikken hennes viste seg å være så inspirerende og elsket at Carlos ga ut en andre versjon av lydsporet. Så sjelden blir et lydspor handlingen, men så bryter denne filmen ned alle barrierer og undersøker bitene. —Adam Kivel

tjue. Baby sjåfør (2017)

Å koreografere en forseggjort scene til en energisk sang er ikke noe nytt, men hva er nytt er hvordan Edgar Wright rammet inn scenene innenfor konteksten til hver sang med Baby sjåfør . Sanger av Queen, The Damned og Jon Spencer er alle fullt presentert, slik at du kan nyte det fulle opptoget av en biljaktmusikal. Innimellom det arrangerte kaoset vekker filmen også andre edelstener, og selv de som blir litt hakket får det til rett med leilighetsdanser og tåklapping i vaskeriet. Med denne oppmerksomheten og detaljene er ikke dette lydsporet for musikknerder – det er lydsporet som skaper musikknerder. –Doug Nunnally

19. Romeo og Julie (1997)

Det er utallige iterasjoner og tilpasninger av hvert Shakespeare-skuespill, og Romeo og Julie kan være den mest oppdaterte. Det krever noe spesielt for å skille seg ut fra flokken, og uansett film har Baz Luhrmann alltid mye spesielt. For sin oppfatning av den mest kjente rotete kjærlighetshistorien, skrudde den australske forfatteren opp metningen og kastet en håndfull dramatiske musikalske trender i en blender. Ikke mange regissører ville engang forsøke å sette sammen den rare rocken til Butthole Surfers, den humørfylte Radiohead, de hektiske Cardigans og neo-sjelen til Des’ree, men så Romeo + Julie tredd det hele gjennom en orkesteroverbygning. Hvert sekund blir stort, og det vakler liksom aldri under sin egen vekt. -Lior Phillips

18. Tilbake til fremtiden (1985)

Av design alene, Tilbake til fremtiden er kanskje det perfekte lydsporet. Hit originale sanger, ikoniske klassikere, et minneverdig partitur og noen få B-sider fra legendariske musikere, det har stort sett alt på bare 10 sanger. Lydsporet går imidlertid utover dette, og samarbeider om en klassiker og en annen all-time great i en virkelig uforglemmelig scene som nesten gjør partituret og originale hits sekundære. Tro meg ikke

90-tallet var spekket med hip-hop/R&B-drevne lydspor av høy kvalitet, og et av de mer vellykkede smeltet sammen, og fanget lyden fra epoken og sampling-revivalismen fra tiden med perfekt klarhet. Ice Cubes tittelspor og Dr. Dres Keep Their Heads Ringin kan ha vært hitene fra fredag sitt doble platina-lydspor, men albumet i det store og hele illustrerer filmens rolige spenning mellom avslappet slacker-estetikk og de grusommere virkelighetene i South Central. Førstnevnte får Isley Brothers, Rick James, Rose Royce og Bootsy Collins sistnevnte, Scarface og E-A-Ski og Cypress Hill. Det er et jevnt, steinet, periodisk aggressivt lydspor som passer til en film som handler om det samme. –Dominick Suzanne-Mayer

16. Vanilje Sky (2001)

En gang i blant kommer et lydspor for å løfte en film til sitt sanne potensial. Gå inn i Cameron Crowes psykologiske mindfuck fra 2001 Vanilje Sky .... Hans oppfatning av Alexander Amenabars Åpne øynene dine finner Tom Cruise løpende rundt i New York City med sin beste hårklipp gjennom tidene. Bak ham er det imidlertid det som best kan beskrives som et satengteppe av banebrytende alternativ musikk - nei, egentlig. I en tid da mainstream-musikken var på sitt verste, kom Crowe her med en samling av sertifisert flotte nye låter, fra Kid A -epoken Radiohead til God start -var Sigur Rósto Avsløre R.E.M., som alle bidro til å definere vår verden etter 11. september. Akkurat som selve filmen fungerer lydsporet som en drøm, og driver målløst fra det ene eksentriske sporet til det neste, og hvis du ikke er et rotete rot når Nancy Wilson klatrer på Elevator Beat, må sjelen din være frosset i høy -Tech science lab og det er på tide å åpne øynene dine. –Michael Roffman

femten. Ferris Buellers fridag (1986)

I 30 år (!!!) ble fansen nektet et offisielt lydspor, et stort tull fra den legendariske John Hughes som fikk folk til å ta et oppgjør med uklare mixtapes og klønete spillelister. Hvem vil ha alle disse sangene, sa han Kjærlighet på pinne i 2003, og pekte på det absurde i å pare Wayne Newton med Yello. Og de går ikke sammen, men de støtter Ferris’ mangfoldige appell. For å yte den rettferdige fyren rettferdighet trenger du en rettferdig spilleliste, og du trenger ikke se lenger enn til et lydspor som du trygt kan hoppe fra Stjerne krigen til The Smiths, akkurat som Ferris hopper fra en eksklusiv restaurant til en massiv parade. –Doug Nunnally

14. Rushmore (1997)

Regissør Wes Anderson hadde opprinnelig tenkt for hele lydsporet til Rushmore å være Kinks-sanger. Han hadde opprinnelig sett for seg Max som en vokal og sint britisk utvekslingsstudent og trodde The Kinks ville være typen rockeband en gutt som har på seg blazer kan høre på. Men etter hvert som prosjektet utviklet seg og ble mindre kinky, ble det klart Andersons uhyggelige evne til å koble sammen populære lyder og bilder: Max sin årbok (The Creation's Making Time), Hermans fulle kanonball til The Kinks på barnas bursdagsfest, eller Max og Herman utveksler slag mot The Who live. Kast inn Devos Mark Mothersbaughs sære instrumentale mellomspill og den mest passende sangen som noen gang har spilt over avsluttende studiepoeng – Faces’ Ooh La La – og du har en Rushmore lydspor verdig, vel, Rushmore av lydspor. –Matt Melis

1. 3. Gjør det rette (1989)

Mens Bill Lees partitur henger tungt over mye av den straffende sommerdagen i Spike Lees klassiker fra 1989, er det vanskelig å tenke på det året uten å raskt følge det som Public Enemy gjorde: nummeret på nok en sommer. PEs Fight the Power harmonerer perfekt med Rosie Perez sin voldsomme, pinefulle åpningsdans, like godt som den gjør senere, som den dødsdømte Radio Raheems uttrykk for eksistensiell forargelse. Men selv om Lees lydspor ville komme opp på denne listen på grunn av den ene sangens ikoniske bruk alene, har resten av albumet en like stor andel i å sette den disige, svette-gjennomvåte tonen i filmen. Mye av filmen er satt til en blanding av det nevnte partituret og jevn R&B, den typen ting Mister Senor Love Daddy ville spille for å holde beboerne i Bed-Stuy rolige og kjølige på selv de verst mulige dagene. –Dominick Suzanne-Mayer

12. Singler (1992)

Med bakgrunn fra rockejournalistikk er det ikke overraskende at filmskaperen Cameron Crowes lydspor ofte spiller som mixtapes laget av en fyr med bedre musikksmak enn de fleste. For Crowe handler det imidlertid ikke bare om å laste opp lydspor med morderisk materiale som også kan skifte enheter. Singler finner den pre-berømte regissøren ved hjelp av Seattles tidlige 90-talls grunge-scene, ikke bare som et bakteppe eller popkulturell prøvestein, men som en realistisk verden å fordype karakterene hans i. Og gjennom et lydspor fylt med grunge-ikoner som Pearl Jam og Soundgarden og med originalt materiale av Paul Westerberg, griper Crowe inn i en tid, men langt viktigere, følelsen av den tiden. Skjønt bedre romantiske komedier enn Singler kan komme, ingen, takket være Crowes lydspor, vil bedre fange hvordan det føltes å lete etter den perfekte personen på begynnelsen av 90-tallet. –Matt Melis

elleve. Aksel (1971)

Aksel var flott. Aksel var enorm. Aksel forandret alt. Da Richard Roundtree først gikk ut til lyden av Isaac Hayes’ Oscar-vinnende tema, var det et vannskille i Hollywoods historie. Som en av de tidligste blaxploitation-filmene - for ikke å nevne, en av sjangerens mest suksessrike - Aksel blåste døren på vidt gap for svart kultur i amerikansk kino. Mye av suksessen skyldes selvfølgelig Hayes’ banebrytende poengsum, som ikke bare toppet Billboard 200, men garanterte to Topp 40-singler i Theme fra Aksel og gjør din ting. Det er litt morsomt opprinnelig, Hayes hadde håpet å spille den titulære karakteren på skjermen, men i virkeligheten spilte han ham alle andre steder. Tross alt er det arbeidet hans som brakte Shaft til klubbene, barene og hjemmene over hele Amerika, og skapte en bevegelse som varte i filmens 100 minutter. I dag fortsetter arbeidet hans å leve videre, enten det er tilbakevendende musikalske signaler eller liberal sampling fra artister i alle sjangere fra rock til rap til EDM. Alle graver det. –Michael Roffman

10. 2001: A Space Odyssey (1968)

Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey posisjonerer seg i en mystiker alltid, et sted i den interstellare tidslinjen der opprinnelsen til verden og den fjerne fremtiden er ett i det samme. For å oppnå den tidløse følelsen valgte den legendariske regissøren en blanding av klassiske komponister som på en gang føles staselige og kongelige, men også svimlende og desorienterende. Å bruke den tyske komponisten Richard Strauss' Also Sprach Zarathustra under en scene med aper som lærer å bruke verktøy, skygger oppdagelsen deres med en kraftig, om enn illevarslende majestet, men forsvinner også perfekt til en scene av en romstasjon, noe vi mer tradisjonelt ville knyttet til slike dramatisk klassisk musikk. Kanskje mest bemerkelsesverdig synkroniserte Kubrick en scene av et romskip som dokker til Den blå Donau, en vals av Johann Strauss, mens moderne komponist György Ligetis mikropolyfoniske Atmosfærer gir et blendende motpunkt. De 2001 lydsporet føles som å skli gjennom tiden, men på den vakreste utenomjordiske måten. —Adam Kivel

09. Trainspotting (nitten nittiseks)

Å lytte til Trainspotting lydsporet produserer kanskje ikke nøyaktig følelsen av å være på en intens stoff-high som filmens hovedpersoner - men det vil garantert gi deg en buzz. Den elektroniske og post-punk-miksen trives med pumpende beats og den typen blank-eyed intensitet som kommer på slutten av en lang natt. Og vi snakker ikke om en lykkelig høy, nødvendigvis heller. Iggy kan ha hatt en livslyst, men vi vet alle hvor det kan føre, synthsirenene til Underworlds Born Slippy signaliserer at noe kommer, og begravelsesironien til Lou Reeds Perfect Day henger igjen. Det kommer en bakrus – eller kanskje det er alt vi har – selv gjennom det høye. -Lior Phillips

08. Jo vanskeligere de kommer (1972)

I likhet med filmen var lydsporet til denne kulturelle sensasjonen forankret i sannheten. Samtidig som Jo vanskeligere de kommer filmen berømmet storheten til jamaicansk kultur, og snakket også til vanskelighetene som tynget folket, noe som gjorde den til en av de mest varige og slående politiske uttalelsene i sin tid. De fleste vil huske det nå for å åpne døren til reggaes verdensomspennende suksess, men lydsporets mest bemerkelsesverdige kvalitet var ikke bare å avsløre appellen til reggae, men dens iboende kraft. Lydsporet kanaliserer all lidenskapen og raseriet til folket, grepet av sosial tretthet, og løfter dermed filmens budskap til legendariske høyder. –Doug Nunnally

07. Over kanten (1994)

I 1994 drev inderligheten for rap generelt og Tupac Shakur spesielt flere lydspor på Billboard-listene, men av det kritiske hiphop-øyeblikket, Over kanten traff en nerve, takket være filmens rå følelser og lydsporets kobling av rapkraft. Ved filmens utgivelse var Tupac i ferd med å etablere legenden sin, mens Suge Knight og Dr. Dre jobbet som lydsporets produsenter. Filmens fortelling om basketball som kamp og triumf viser frem både de strålende høydene og de grusomme dybdene som rap kan nå, fra Tha Dogg Pounds Big Pimpin og Warren Gs Regulate til Tupacs egen smerte – et høydepunkt som gir filmens emosjonelle klimaks der hans karakter, den skurke Birdie, blir drept. —Adam Kivel

06. Amerikansk graffiti (1973)

Vil du vite den virkelige tittelen på Amerikansk graffiti lydspor's Drive-Thru, er dette dobbeltalbumet virkelig mye for pengene. På 41 låter får du ikke bare gjenoppleve George Lucas' nostalgiske portrett av Amerika fra 1962, men få en rask leksjon i tidlig rock 'n' roll og vintage doo wop. Så det er både et stykke filmvarer og en genuin historieleksjon, en som setter sammen mer eller mindre alle artister du noen gang vil høre på fra den epoken. Det er Buddy Holly, The Flamingos, Chuck Berry, Fats Domino, The Platters, The Beach Boys, The Five Satins, for himmelens skyld, saken tar aldri slutt. Og når man ser hvordan samlingen har blitt sertifisert Platinum tre ganger, er det ikke rart at MCA i hovedsak brukte Graffiti merkevaren for å fortsette å gi ut disse støvete gamle, siden denne samlingen ikke skapte én, men to oppfølginger. Oh my, det er en hel del rocking døgnet rundt. –Michael Roffman

05. Fortumlet og forvirret (1993)

Det er ingen overraskelse at en film om tenåringer på 70-tallet kan skilte med et flott lydspor. Fra gjenkjennelige hits til den gang obskure rockere og til og med dype snitt, filmens miks levde utvilsomt opp til sitt musikalske navn (nok til å garantere to like store bind). Men musikken er også en del av historien her, gjennom radioer, høyttalere og hodetelefoner. Selv sangene som er kunstig plassert speiler historien, som i de mannlige og kvinnelige hazing-scenene. Dette gjør musikken til den erfarne stjernen her, og bidrar til å heve den kommende rollebesetningen og lander denne filmen i ungdomskinoens pantheon. –Doug Nunnally

04. Super flue (1972)

I 1971 stilte Marvin Gaye berømt spørsmålstegn ved tilstanden til samfunnet hans, og året etter ga Curtis Mayfield ham svaret med Super flue , et levende lydteppe som viste nøyaktig hva som foregikk. På sitt musikalske høydepunkt svirrer Mayfield over ingenting, utforsker samfunnets doble standarder samtidig som han gir både ofre og rovdyr stemmer. For det meste en upartisk observatør, Mayfields harme heves til tider, for eksempel den samtidige Pusherman, og det er disse øyeblikkene hvor Mayfield løfter rollen til soulmusikk, og viser at det moralske kompasset må observeres, selv når samfunnets gråsone fortsatte å vokse. –Doug Nunnally

03. Livvakten (1992)

Det er vanskelig å forestille seg et lydspor som er avhengig av Kenny G og Joe Cocker for å komme seg nær toppen av en liste som denne, men du kan slippe unna med litt Kenny når du også har fått en så absolutt legendarisk opptreden som Whitney Houstons I Will Always Love You på Livvakten . Det nå 18x Platinum-lydsporet har noen andre flotte Whitney-spor - I'm Every Woman og Queen of the Night har det gøy - men egentlig snakker vi om en av de største enkeltstående vokalprestasjonene gjennom tidene. Sangens opptreden i filmen skapte utallige parodier og tilnærminger gjennom popkulturen, men Whitneys magnetisme vil aldri bli matchet. -Lior Phillips

02. Avgangseleven (1967)

Den nylig uteksaminerte Benjamin Braddock stirrer nedover tønnen til en fremtid som forstyrrer ham. En han føler seg ufrivillig ført mot, ikke ulikt transportbåndet på flyplassen under Avgangseleven sin åpningstekst. Og i disse øyeblikkene med uro og økt frakobling kommer de myke stemmene til Simon og Garfunkel enige. De signaliserer at tiden går målløst (April Come She Will), følger Bens økende forelskelse i Elaine Robinson (Scarborough Fair/Canticle), og signaliserer hans fullstendige desperasjon (Mrs. Robinson) når han får vite at hun gifter seg med noen andre. Mest minneverdig er selvfølgelig filmens bruk av The Sound of Silence. Enten han spiller mens Ben sitter på bunnen av et svømmebasseng i dykkeutstyr eller når han og Elaine sykler mot en ukjent fremtid, har aldri en sang og film jobbet sammen for å formidle en mer levende følelse av usikkerheten som følger med voksenlivet. –Matt Melis

01. Saturday Night Fever (1977)

Rare er albumet synonymt med en hel sjanger. Det er i hovedsak Saturday Night Fever , det 15x platina-selgende, Grammy-vinnende lydsporet som ikoniserte en hel kulturell bevegelse og fanget en epoke, alt i under 20 spor. Nå, si hva du vil om disco - seriøst, hvis du har et problem, kan vi ta denne dritten utenfor og danse - men det er ingen tvil om kraften bak dette albumet. Jævelen klarte å holde seg flytende på Billboard-listene i 24 uker på rad – for ikke å nevne, 18 uker på rad utenlands i Storbritannia – og gjorde dette til et av de mest suksessrike albumene noensinne. Er du sjokkert' største sanger i deres historiekatalog, fra den åpenbare prisen som Stayin' Alive, Jive Talkin' og You Should Be Dancing til de mer sensuelle tingene som More Than a Woman, How Deep Is Your Kjærlighet og nattfeber. Disse sangene alene ville vært nok til å drive dette albumet til legendarisk status, men så har du andre bonafide-svindlere som KC and the Sunshine Bands Boogie Shoes og Yvonne Ellimans If I Can't Have You som deler plass med sprø dritt som Walter Murphys 19. En femtedel av Beethoven eller David Shire Fantasi -aping Night på Disco Mountain. Det er de mest grooviest 76 minuttene som noen gang er presset til vinyl og uten tvil det beste lydsporet gjennom tidene. –Michael Roffman